Ralentissement et ralentissement dans l'animation : exemples et comment les utiliser

par Kim Actualisé: 22 mai 2023

Slow in, slow out est un principe de animation qui rend les choses plus naturelles. Commencer lentement puis accélérer est lent, tandis que commencer lentement puis ralentir est lent. Cette technique ajoute de la dynamique aux animations.

Cet article couvrira ce qu'est le slow in, slow out, comment il est utilisé et comment vous pouvez l'incorporer dans vos propres animations.

Maîtriser l'art du ralenti et du ralenti en animation

Imaginez ceci : vous animez un personnage qui passe à l'action, mais quelque chose ne va pas. Le mouvement semble anormal, et vous ne pouvez pas vraiment mettre le doigt sur pourquoi. Entrez dans le principe Slow-In et Slow-Out. Cette technique d'animation essentielle donne vie à vos personnages et objets en imitant la façon dont les choses bougent dans le monde réel. Lorsque nous commençons et arrêtons de bouger, c'est rarement instantané – nous accélérons et décélérons. En appliquant ce principe (un des 12 en animation), vous créerez des animations plus crédibles et dynamiques qui captiveront votre public.

Décomposer le principe d'entrée et de sortie lentes

Pour bien saisir le concept, décortiquons les deux composantes de cette loi d'animation :

Ralenti :
Lorsqu'un personnage ou un objet commence à se déplacer, il commence avec une vitesse plus lente, accélérant progressivement jusqu'à ce qu'il atteigne sa vitesse maximale. Cela imite le processus naturel de création d'élan.

Ralentissement :
A l'inverse, lorsqu'un personnage ou un objet s'arrête, cela ne se produit pas brusquement. Au lieu de cela, il décélère, ralentit avant de finalement s'arrêter.

En incorporant ces principes dans vos animations, vous créerez une sensation de mouvement plus fluide et réaliste.

Timing is Everything

L'une des clés pour utiliser efficacement Slow-In et Slow-Out est de comprendre timing. Dans l'animation, le timing fait référence au nombre d'images nécessaires pour qu'une action se produise. Pour créer l'effet souhaité, vous devrez ajuster la synchronisation de vos images en conséquence :

• Pour Slow-In, commencez avec moins d'images au début du mouvement, puis augmentez le nombre d'images à mesure que le personnage ou l'objet accélère.
• Pour Slow-Out, faites le contraire - commencez par plus d'images lorsque le personnage ou l'objet ralentit, puis réduisez progressivement le nombre d'images lorsqu'il s'arrête.

En manipulant la synchronisation de vos images, vous obtiendrez l'équilibre parfait entre l'accélération et la décélération, ce qui se traduira par une animation plus naturelle et attrayante.

Application du principe à différents types de mouvement

La beauté du principe Slow-In and Slow-Out est sa polyvalence. Il peut être appliqué à un large éventail de mouvements, des gestes subtils d'un personnage aux grands mouvements de balayage d'un objet. Voici quelques exemples:

Mouvements des personnages :
Lorsque vous animez un personnage marchant, sautant ou saluant, utilisez Ralentir et Ralentir pour créer une sensation de mouvement plus réaliste.

Mouvements d'objet :
Qu'il s'agisse d'une voiture roulant sur la route ou d'une balle rebondissant sur l'écran, l'application de ce principe rendra le mouvement plus authentique et dynamique.

N'oubliez pas que la clé est d'observer et d'étudier les mouvements réels pour comprendre comment le principe Ralentir et Ralentir peut être appliqué à vos animations.

Ainsi, la prochaine fois que vous animerez un personnage ou un objet, n'oubliez pas d'incorporer le principe Slow-In et Slow-Out. Ce faisant, vous créerez non seulement des animations plus réalistes et attrayantes, mais vous améliorerez également vos compétences en tant qu'animateur. Bonne animation !

Maîtriser l'art du ralenti et du ralenti en animation

En tant qu'animateur, j'en suis venu à apprécier les nuances subtiles qui peuvent faire ou défaire le réalisme de mes animations. L'un des aspects les plus cruciaux que j'ai appris est le principe du slow in et slow out. Ce concept concerne la façon dont les objets ont besoin de temps pour accélérer et décélérer lorsqu'ils se déplacent, ce qui peut être représenté en ajoutant plus d'images au début et à la fin d'une action. Croyez-moi, cela change la donne lorsqu'il s'agit de rendre vos animations plus réalistes.

Appliquer le principe à vos animations

Maintenant que nous avons établi l'importance de ralentir et ralentir, voyons comment vous pouvez appliquer ce principe à vos animations. Voici quelques étapes clés à suivre :

• Observez les mouvements de la vie réelle : Pour vraiment saisir le concept de ralentissement et de ralentissement, il est essentiel d'étudier les mouvements de la vie réelle. Faites attention à la façon dont les objets et les personnages accélèrent et ralentissent dans diverses situations, et essayez de reproduire ces mouvements dans vos animations.
• Ajustez la synchronisation de vos images : lors de l'animation, n'oubliez pas d'ajouter plus d'images au début et à la fin d'une action pour représenter l'accélération et la décélération. Cela créera une sensation de mouvement et de vitesse plus réaliste.
• Expérimentez avec différents objets et personnages : le principe d'entrée et de sortie lentes peut être appliqué à différents types d'animations, d'une balle qui rebondit à des mouvements de personnages complexes. N'ayez pas peur d'expérimenter et de voir comment ce principe peut améliorer vos animations.

Adopter les lois du mouvement et de la gravité

En tant qu'animateur, il est essentiel d'avoir une bonne compréhension des lois du mouvement et de la gravité, car celles-ci influenceront fortement le principe d'entrée et de sortie lentes. En incorporant ces lois dans vos animations, vous créerez une sensation de mouvement et de vitesse plus crédible et réaliste. Alors, n'hésitez pas à étudier les lois du mouvement et de la gravité - ils seront vos meilleurs amis dans le monde de l'animation.

N'oubliez pas que la clé pour maîtriser le ralentissement est la pratique, l'observation et l'expérimentation. En appliquant ce principe à vos animations, vous donnerez vie à vos personnages et objets avec un sens plus réaliste du mouvement et de la vitesse. Bonne animation !

Ralentir et ralentir : l'animation en action

En tant que passionné d'animation, je ne peux m'empêcher de penser à Disney lorsqu'il s'agit d'excellents exemples de slow in et slow out. Les animateurs Disney utilisent ce principe depuis les débuts du studio, et c'est l'une des raisons pour lesquelles leurs animations sont si appréciées. L'un de mes exemples préférés est la scène de « Blanche-Neige et les sept nains » où les nains rentrent chez eux après le travail. Les mouvements des personnages commencent lentement, prennent de la vitesse, puis ralentissent à nouveau à mesure qu'ils approchent de leur destination. Ce changement progressif de vitesse et d'espacement rend leurs mouvements plus naturels et plus réalistes.

Animation contemporaine : Road Runner et l'art de la vitesse

Avance rapide vers l'animation contemporaine, et nous pouvons voir des ralentis et des ralentissements en jeu dans les célèbres dessins animés "Road Runner". Lorsque le Road Runner commence à courir, il démarre lentement, prenant de la vitesse jusqu'à ce qu'il se déplace à son rythme maximum. Lorsqu'il doit s'arrêter ou changer de direction, il le fait en ralentissant progressivement. Il s'agit d'une démonstration parfaite de l'action lente et lente, car les mouvements du personnage sont représentés avec moins de dessins au début et à la fin de l'action, et plus de dessins regroupés aux points de vitesse maximale.

Objets du quotidien : la balançoire du pendule

Ralentir et ralentir ne se limite pas seulement aux mouvements des personnages ; il peut également être appliqué aux objets dans l'animation. Un exemple classique est le mouvement d'un pendule. Lorsqu'un pendule commence à osciller, il se déplace d'abord lentement, prenant progressivement de la vitesse jusqu'à ce qu'il atteigne son point le plus élevé. Alors qu'il commence à reculer, il ralentit à nouveau, s'arrêtant brièvement avant de commencer son prochain mouvement. Ce mouvement naturel est le résultat du principe slow in and slow out, et les animateurs peuvent utiliser ces connaissances pour créer des mouvements d'objets plus réalistes et convaincants dans leur travail.

Conseils supplémentaires pour appliquer Slow In & Slow Out

En tant que quelqu'un qui est passé par là et qui l'a fait, j'ai pris quelques conseils en cours de route pour appliquer le ralentissement à vos animations :

• Commencez par observer les mouvements de la vie réelle : faites attention à la façon dont les personnes et les objets se déplacent dans des situations quotidiennes, et notez comment leur vitesse et leur espacement changent avec le temps.
• Utilisez des vidéos de référence : enregistrez-vous ou d'autres personnes effectuant l'action que vous souhaitez animer, et étudiez les images pour voir comment la vitesse et l'espacement changent tout au long du mouvement.
• Expérimentez avec différents espacements : Essayez de dessiner vos poses clés avec différentes quantités d'espace entre elles, et voyez comment cela affecte le mouvement global et le flux de votre animation.
• Entraînez-vous, exercez-vous, exercez-vous : Comme toute compétence, maîtriser le ralentissement et la lenteur demande du temps et du dévouement. Continuez à travailler sur vos animations et vous constaterez des améliorations au fil du temps.

En incorporant des ralentis et des ralentissements dans vos animations, vous serez en mesure de créer des mouvements plus réalistes et engageants qui captiveront votre public. Alors allez-y, essayez-le et regardez vos animations prendre vie !

Démêler les mystères de "Slow In" et "Slow Out" dans l'animation

Imaginez ceci : vous regardez un cactus dans une vidéo animée, et il commence soudainement à se déplacer à la vitesse de l'éclair sans aucune accumulation ni anticipation. Cela n'aurait pas l'air naturel, n'est-ce pas ? C'est là qu'entrent en jeu les principes de 'ralentir' et de 'ralentir'. En ajustant progressivement la vitesse et l'espacement du mouvement d'un objet, les animateurs peuvent créer un mouvement plus réaliste et attrayant. Les animateurs de Disney, Ollie Johnston et Frank Thomas, ont introduit ce terme dans leur livre "L'illusion de la vie", et il est depuis devenu la pierre angulaire des principes d'animation.

Comment l'espacement affecte-t-il le rythme d'un objet animé ?

Dans le monde de l'animation, l'espacement fait référence à la distance entre les dessins d'une séquence. En ajustant l'espacement, les animateurs peuvent contrôler la vitesse et la fluidité du mouvement d'un objet. Voici une ventilation rapide de l'impact de l'espacement sur le rythme d'un objet animé :

• Espacement plus rapproché : mouvement plus lent
• Espacement plus large : mouvement plus rapide

En combinant les principes de «ralentissement» et de «ralentissement», les animateurs peuvent créer une accélération et une décélération progressives d'un objet, rendant le mouvement plus naturel et plus crédible.

Quel est le lien entre "ralentir" et "ralentir" et d'autres principes d'animation ?

"Ralentir" et "ralentir" ne sont que deux des nombreux principes d'animation enrôlés par les animateurs pour donner vie à leurs créations. Certains de ces principes incluent :

• Squash et stretch : donne aux objets une sensation de poids et de flexibilité
• Anticipation : prépare le public à une action à venir
• Mise en scène : attire l'attention du spectateur sur les éléments les plus importants
• Chevauchement d'action : rompt le timing d'une action pour créer un mouvement plus naturel
• Action secondaire : prend en charge l'action principale pour ajouter plus de dimension à un personnage ou à un objet
• Timing : contrôle la vitesse et le rythme d'une animation
• Exagération : met l'accent sur certaines actions ou émotions pour un plus grand impact
• Attrait : crée des personnages ou des objets attrayants et intéressants

Ensemble, ces principes fonctionnent en harmonie pour créer une expérience animée captivante et immersive.

Quels sont les conseils pratiques pour appliquer le "ralentissement" et le "ralentissement" dans l'animation ?

Que vous soyez un animateur chevronné ou que vous débutiez, voici quelques conseils pour vous aider à maîtriser l'art du « ralentissement » et du « ralentissement » :

• Étudiez les mouvements réels : observez comment les objets et les personnes se déplacent dans le monde réel, en portant une attention particulière à la façon dont ils accélèrent et ralentissent.
• Expérimentez avec l'espacement : Jouez avec différents modèles d'espacement pour trouver le bon équilibre entre les mouvements lents et rapides.
• Utilisez des matériaux de référence : collectez des vidéos, des images ou même créez vos propres matériaux de référence pour vous aider à guider votre processus d'animation.
• Entraînez-vous, exercez-vous, exercez-vous : comme toute compétence, maîtriser le "ralentissement" et le "ralentissement" demande du temps et du dévouement. Continuez à expérimenter et à affiner vos techniques pour améliorer vos compétences en animation.

En incorporant « slow in » et « slow out » dans votre répertoire d'animation, vous serez sur la bonne voie pour créer des vidéos animées plus dynamiques et engageantes.

Conclusion

Donc, ralentir est un excellent moyen d'ajouter du réalisme à votre animation et de la rendre plus vivante. 
L'entrée et la sortie lentes sont un excellent moyen de rendre vos personnages et objets plus réalistes. 
Vous pouvez l'utiliser pour des gestes subtils ainsi que pour de grands mouvements de balayage. Alors, n'ayez pas peur d'expérimenter le principe d'entrée et de sortie lentes et voyez comment cela peut améliorer vos animations.

Salut, je suis Kim, une maman et une passionnée de stop-motion avec une formation en création de médias et en développement web. J'ai une énorme passion pour le dessin et l'animation, et maintenant je plonge tête première dans le monde du stop-motion. Avec mon blog, je partage mes apprentissages avec vous.