I 12 principi dell'animazione: una guida completa

di Kim aggiornato: 28 Marzo 2023

A volte fai anche fatica a creare animazioni realistiche e coinvolgenti?

Se è così, non sei solo. Animazione è una forma d'arte unica che richiede un delicato equilibrio tra creatività artistica e comprensione scientifica.

Fortunatamente, ci sono alcuni principi fondamentali che possono guidarti nel tuo viaggio verso animazioni più realistiche e convincenti.

Inserisci i 12 principi dell'animazione.

I 12 principi dell'animazione sono stati sviluppati dagli animatori Disney Ollie Johnston e Frank Thomas e pubblicati in un libro intitolato "The Illusion of Life". Sono una serie di linee guida che possono aiutarti a creare animazioni più realistiche e realistiche.

In questo articolo, esploreremo ciascuno dei 12 principi in dettaglio, in modo da poter portare le tue capacità di animazione al livello successivo.

1. Schiaccia e allunga

Squash e stretch è un principio considerato uno dei principi più fondamentali e importanti dell'animazione.

È la tecnica di esagerare la forma e il volume di personaggi o oggetti per creare un'illusione di massa, peso e forza. Quando un oggetto viene schiacciato, sembra comprimersi e quando viene allungato sembra allungarsi.

Questo effetto imita la qualità elastica degli oggetti della vita reale e trasmette un senso di movimento e peso. Questo può essere applicato a movimenti semplici come far rimbalzare una palla oa movimenti più complessi come la muscolatura della figura umana. Il grado di esagerazione può essere comico o sottile, a seconda delle esigenze dell'animazione.

2. Anticipazione

Anticipazione è un principio di animazione che implica la preparazione dello spettatore per un'azione che sta per accadere. È il momento appena prima che abbia luogo l'azione principale, in cui il personaggio o l'oggetto si prepara a saltare, dondolare, calciare, lanciare o compiere qualsiasi altra azione. L'anticipazione aiuta a rendere l'azione più credibile ed efficace dando allo spettatore un'idea di ciò che sta per accadere.

Sia l'anticipazione che il follow-through (più avanti in questo elenco) sono due principi che implicano l'inizio e la fine dei movimenti. L'anticipazione viene utilizzata per preparare il pubblico a un movimento imminente, mentre il follow-through viene utilizzato per creare un senso di continuazione dopo che il movimento è terminato. Questi principi sono essenziali per creare movimenti convincenti e drammatici.

3. Messa in scena

Staging è un altro principio essenziale per il successo di un'animazione. Questo principio riguarda il posizionamento di oggetti e personaggi all'interno della cornice. Mantenendo l'attenzione sull'essenza della scena ed evitando inutili distrazioni, gli animatori sono in grado di creare una presentazione chiara e inequivocabilmente diretta. Ciò può essere ottenuto prestando attenzione alla posizione della telecamera, alla luce e alla posizione degli oggetti all'interno dell'inquadratura.

4. Posa e dritto

Posa per posa ed sempre dritto sono due diversi approcci all'animazione. Pose to pose comporta la creazione di pose chiave e il riempimento degli intervalli tra di esse, mentre dritto comporta la creazione di movimenti dall'inizio alla fine. Quando un animatore utilizza il metodo Straight Ahead Action, inizia dall'inizio dell'animazione e disegna ogni fotogramma in sequenza fino alla fine.

Quale metodo dovresti usare?

Bene, posso essere molto breve su questo... Nell'animazione in stop motion c'è solo l'animazione in avanti. Poiché è quasi impossibile posare per posare con oggetti reali.

Tuttavia, posso dire questo sull'animazione nel metodo pose to pose. In stop motion devi pianificare attentamente tutto. Se fai un ciclo di camminata, puoi determinare in anticipo dove saranno i punti di contatto. Come dire che faresti quando stai animando i fotogrammi chiave in posa per posa. Quindi, in questo senso, il metodo è in qualche modo simile, ma quando l'animazione vera e propria è terminata, va sempre dritto.

5. Seguire e sovrapporre l'azione

Seguire attraverso e Overlapping Action è un principio di animazione utilizzato per creare movimenti più naturali e credibili in personaggi e oggetti.

L'idea alla base di questo principio è che quando un oggetto o un personaggio si muove, non tutto si muove allo stesso tempo o alla stessa velocità. Diverse parti dell'oggetto o del personaggio si sposteranno a velocità leggermente diverse e in direzioni diverse, il che crea un movimento più realistico e fluido.

Ad esempio, immagina una persona che corre. Mentre si muovono in avanti, i loro capelli potrebbero fluire all'indietro, le loro braccia potrebbero oscillare avanti e indietro e i loro vestiti potrebbero incresparsi al vento. Tutti questi movimenti avvengono a velocità diverse e in direzioni diverse, ma fanno tutti parte dello stesso movimento generale.

Per creare questo effetto nell'animazione, gli animatori usano "follow through" e "overlapping action". Il follow-through è quando parti di un oggetto o di un personaggio continuano a muoversi anche dopo che il movimento principale si è fermato. Ad esempio, quando un personaggio smette di correre, i suoi capelli potrebbero continuare a fluire all'indietro per un momento. L'azione di sovrapposizione è quando diverse parti di un oggetto o di un personaggio si muovono a velocità diverse, creando un movimento più fluido e naturale.

6. Rallentare e rallentare

Il "rallentare e rallentareIl principio " è un principio fondamentale ma importante dell'animazione che prevede l'aggiunta di più fotogrammi all'inizio e alla fine di un movimento per creare un aspetto più naturale e fluido.

L'idea alla base di questo principio è che gli oggetti in genere non si muovono a una velocità costante nella vita reale. Invece, tendono ad accelerare e decelerare mentre iniziano e smettono di muoversi. Aggiungendo più fotogrammi all'inizio e alla fine di un movimento, gli animatori possono creare un'accelerazione e una decelerazione più graduali, che rendono l'animazione più naturale e credibile.

Ad esempio, se desideri creare un'animazione in stop motion di una palla che rotola sul terreno, potresti scattare più foto della palla in diverse posizioni mentre inizia a rotolare, quindi aumentare gradualmente il numero di foto scattate man mano che acquista slancio , quindi riduci nuovamente il numero di foto quando si ferma.

7. Arco

Le arco principio è essenziale nell'animazione perché riflette le leggi della fisica e gli effetti naturali della gravità. Quando un oggetto o una persona si muove, segue un percorso naturale che non è rettilineo ma curvo. Aggiungendo archi alle animazioni, gli animatori possono rendere l'animazione più naturale e realistica.

Un esempio di come utilizzare gli archi nell'animazione è quando una persona cammina. Mentre la persona muove le braccia e le gambe, seguono archi diversi. Prestando attenzione agli archi, gli animatori possono creare animazioni più graziose e naturali. Un altro esempio è quando una palla viene lanciata, segue un arco attraverso l'aria a causa della forza applicata ad essa. Aggiungendo archi secondari all'animazione, gli animatori possono rendere il movimento più fluido e naturale.

8. Azione secondaria

Azione secondaria si riferisce all'idea che gli oggetti in movimento creeranno movimenti secondari in altre parti del corpo. Sono usati per supportare o enfatizzare l'azione principale che si svolge in una scena. L'aggiunta di azioni secondarie può aggiungere più profondità ai tuoi personaggi e oggetti.

Ad esempio, il sottile movimento dei capelli del tuo personaggio mentre cammina, o un'espressione facciale o un oggetto secondario che reagisce al primo. Qualunque sia il caso, questa azione secondaria non dovrebbe togliere nulla a quella primaria.

9. Tempismo e spaziatura

Penso che per lo stop motion questo sia il più importante. Dà davvero un significato a un movimento.

Per applicare questo principio di animazione, dovremmo considerare le leggi della fisica e come si applicano al mondo naturale.

Sincronizzazione implica il periodo di tempo in cui un oggetto rimane sullo schermo, mentre spaziatura comporta il posizionamento e il movimento dell'oggetto.

A seconda del tipo di movimento o oggetto che vuoi trasmettere, dovresti prendere in considerazione la giusta quantità di allentamento. Se sposti un oggetto troppo velocemente o troppo lentamente rispetto al suo movimento naturale nel mondo reale, l'animazione non sarà credibile.

Per applicare questo principio nell'animazione in stop motion, considera prima il framerate a cui stai girando. Se stai scattando su uno o due, molto probabilmente scatterai rispettivamente a 12 o 24 fotogrammi.

Successivamente, imposta il timeout della sequenza di animazione in anticipo. Ad esempio, se hai una palla che rotola e la durata dello scatto è di 3.5 secondi, moltiplica il tempo dello scatto per il tuo framerate, ad esempio 12 fotogrammi.

Quindi ora sai che per questo scatto avrai bisogno di circa 42 immagini (3.5 x 12).

Se vuoi misurare la distanza che l'oggetto deve percorrere nello scatto. Diciamo che è 30 cm e dividiamo la distanza per il numero di fotogrammi. Quindi nel nostro esempio, 30/42 = 0.7 mm per fotogramma.

Ovviamente dovresti prendere in considerazione la giusta quantità di allentamento. Quindi non sarà esattamente 0.7 mm per ogni fotogramma.

10. Esagerazione

Questo principio viene utilizzato per creare un effetto drammatico e di grande impatto nelle animazioni. Gli animatori usano l'esagerazione per rendere i movimenti e le espressioni più grandi della vita, ottenendo un effetto più dinamico.

Anche se le animazioni dovrebbero apparire naturali, devono essere un po' esagerate per essere efficaci. Ciò significa che i movimenti dovrebbero essere leggermente più ampi di quanto sarebbero nella vita reale, creando un effetto più dinamico.

L'esagerazione è un principio che può essere utilizzato con grande efficacia nell'animazione. Esagerando alcuni aspetti dell'animazione, gli animatori sono in grado di creare un'esperienza più dinamica e coinvolgente per il pubblico.

11. Disegno solido

Il disegno solido è un altro principio chiave che gli animatori devono considerare. Questo principio riguarda il modo in cui oggetti e personaggi sono disegnati in tre dimensioni. Prestando attenzione agli aspetti fisici dell'animazione, gli animatori sono in grado di creare un'animazione più realistica e coinvolgente.

12. Ricorso

Ricorso è un altro principio che può essere utilizzato con grande efficacia nell'animazione. Questo principio riguarda il modo in cui i personaggi e gli oggetti sono disegnati per attirare il pubblico. Prestando attenzione al modo in cui i personaggi vengono disegnati o realizzati, gli animatori sono in grado di creare un'animazione più coinvolgente e dinamica.

Alan Becker

Parliamo di Alan Becker, l'animatore americano e personalità di YouTube noto per aver creato la serie Animator vs. Animation. Penso che abbia la spiegazione migliore e più completa sui 12 principi dell'animazione, quindi dai un'occhiata a questo!

Come pratichi i 12 principi dell'animazione?

Ora, per mettere in pratica questi principi, devi iniziare imparandoli. Ci sono tonnellate di risorse là fuori che possono insegnarti i dettagli di ogni principio, ma la cosa più importante è capire come funzionano insieme. Ogni principio gioca un ruolo nel far scorrere l'animazione senza interruzioni.

Uno dei modi migliori per esercitarsi è il famoso: la palla che rimbalza. Ha quasi tutto. Schiaccia e allunga, quando la palla quasi tocca terra. Ha "slow in and slow out", quando la palla parte. Si muove in un arco e puoi sperimentare ogni sorta di tempi diversi.

Una volta che hai una buona conoscenza dei principi, è il momento di iniziare ad applicarli al tuo lavoro. È qui che inizia il vero divertimento! Inizia a sperimentare diverse tecniche e scopri come puoi utilizzare i principi per migliorare la tua animazione. Magari prova ad aggiungere un po' di schiacciamento e allungamento ai tuoi personaggi, o gioca con il tempismo e la spaziatura per creare un senso di peso e slancio.

Ma ecco il punto. Non puoi fare affidamento solo sui principi. Devi avere anche un po' di creatività e fantasia! Usa i principi come base, ma non aver paura di infrangere le regole e provare qualcosa di nuovo. È così che farai davvero risaltare la tua animazione.

Pratica i 12 principi dell'animazione imparandoli, applicandoli e poi infrangendoli. È come cucinare un pasto delizioso, ma con i tuoi personaggi e le tue cornici invece di ingredienti e spezie.

Conclusione

Quindi ecco qua, i 12 principi dell'animazione che sono stati usati dalla Disney e da molti altri studi per creare alcuni dei personaggi e delle scene più memorabili nella storia dell'animazione.

Ora che li conosci, puoi usarli per rendere le tue animazioni più realistiche e credibili.

Ciao, sono Kim, una mamma e un'appassionata di stop-motion con un background nella creazione di media e nello sviluppo web. Ho una grande passione per il disegno e l'animazione, e ora mi sto tuffando a capofitto nel mondo dello stop-motion. Con il mio blog, sto condividendo le mie conoscenze con voi ragazzi.