De 12 principes van animatie: een uitgebreide gids

Ik schrijf deze artikelen met veel plezier voor mijn lezers, jullie. Ik accepteer geen betaling voor het schrijven van reviews, mijn mening over producten is die van mijzelf, maar als je mijn aanbevelingen nuttig vindt en je uiteindelijk iets koopt via een van de links kan ik daar mogelijk een commissie over ontvangen.

Heb jij ook wel eens moeite om realistische en boeiende animaties te maken?

Zo ja, dan ben je niet de enige. Animatie is een unieke vorm van kunst die een delicaat evenwicht vereist tussen artistieke creativiteit en wetenschappelijk inzicht.

Gelukkig zijn er enkele fundamentele principes die je kunnen begeleiden op je reis naar meer levensechte en overtuigende animaties.

Voer de 12 principes van animatie in.

De 12 principes van animatie zijn ontwikkeld door Disney-animators Ollie Johnston en Frank Thomas en gepubliceerd in een boek genaamd "The Illusion of Life". Dit zijn een aantal richtlijnen die u kunnen helpen bij het maken van meer levensechte en realistische animaties.

Loading ...

In dit artikel zullen we elk van de 12 principes in detail onderzoeken, zodat je je animatievaardigheden naar een hoger niveau kunt tillen.

1. Squash en stretch

Squash en stretch is een principe dat wordt beschouwd als een van de meest fundamentele en belangrijke principes van animatie.

Het is de techniek van het overdrijven van de vorm en het volume van personages of objecten om een ​​illusie van massa, gewicht en kracht te creëren. Wanneer een object wordt geplet, lijkt het samen te drukken en wanneer het wordt uitgerekt, lijkt het te verlengen.

Dit effect imiteert de elastische kwaliteit van echte objecten en geeft een gevoel van beweging en gewicht. Dit kan worden toegepast op eenvoudige bewegingen zoals het stuiteren van een bal of op meer complexe bewegingen zoals de musculatuur van de menselijke figuur. De graad van overdrijving kan komisch of subtiel zijn, afhankelijk van de behoeften van de animatie.

2. Anticipatie

Verwachting is een principe van animatie waarbij de kijker wordt voorbereid op een actie die op het punt staat te gebeuren. Het is het moment net voordat de hoofdactie plaatsvindt, waarop het personage of object zich klaarmaakt om te springen, zwaaien, trappen, gooien of een andere actie uit te voeren. Anticipatie helpt om de actie geloofwaardiger en effectiever te maken door de kijker een idee te geven van wat er gaat gebeuren.

Aan de slag met je eigen stop motion storyboards

Abonneer u op onze nieuwsbrief en ontvang uw gratis download met drie storyboards. Ga aan de slag en breng je verhalen tot leven!

We gebruiken je e-mailadres alleen voor onze nieuwsbrief en respecteren jouw privacy

Zowel anticipatie als vervolg (later in deze lijst) zijn twee principes die betrekking hebben op het starten en beëindigen van bewegingen. Anticipatie wordt gebruikt om het publiek voor te bereiden op een aanstaande beweging, terwijl follow-through wordt gebruikt om een ​​gevoel van voortzetting te creëren nadat de beweging is geëindigd. Deze principes zijn essentieel voor het creëren van overtuigende en dramatische bewegingen.

3. Enscenering

Regie is een ander principe dat essentieel is voor het succes van een animatie. Bij dit principe draait alles om de plaatsing van objecten en karakters binnen het kader. Door de focus op de essentie van de scène te houden en onnodige afleidingen te vermijden, zijn animators in staat om een ​​duidelijke en onmiskenbaar geregisseerde presentatie te creëren. Dit kan worden bereikt door aandacht te besteden aan de camerapositie, het licht en de positie van de objecten binnen het frame.

4. Stel en recht vooruit

Poseren om te poseren en rechtdoor zijn twee verschillende benaderingen van animatie. Poseren om te poseren omvat het maken van belangrijke poses en het invullen van de intervallen ertussen, terwijl recht vooruit het creëren van bewegingen van begin tot eind inhoudt. Wanneer een animator de Straight Ahead Action-methode gebruikt, beginnen ze aan het begin van de animatie en tekenen ze elk frame op volgorde tot het einde.

Welke methode moet u gebruiken?

Nou, daar kan ik heel kort over zijn… Bij stop motion animatie wordt alleen recht vooruit geanimeerd. Omdat het bijna onmogelijk is om te poseren met echte objecten.

Ik kan dit echter wel zeggen over animeren in pose-to-pose-methode. Bij stop motion moet je alles zorgvuldig plannen. Als je een loopfiets maakt, kun je vooraf bepalen waar de raakpunten zullen zijn. Zoals je zou zeggen als je de keyframes in pose tot pose animeert. Dus in die zin is de methode min of meer vergelijkbaar, maar als de eigenlijke animatie klaar is, is het altijd rechtdoor.

5. Doorlopende en overlappende actie

Volg door en Overlapping Action is een animatieprincipe dat wordt gebruikt om meer natuurlijke en geloofwaardige bewegingen in personages en objecten te creëren.

Het idee achter dit principe is dat wanneer een object of personage beweegt, niet alles tegelijkertijd of met dezelfde snelheid beweegt. Verschillende delen van het object of personage zullen met iets verschillende snelheden en in verschillende richtingen bewegen, waardoor een meer realistische en vloeiende beweging ontstaat.

Stel je bijvoorbeeld een rennende persoon voor. Terwijl ze vooruitgaan, kan hun haar naar achteren golven, hun armen kunnen naar voren en naar achteren zwaaien en hun kleding kan golven in de wind. Al deze bewegingen gebeuren met verschillende snelheden en in verschillende richtingen, maar ze maken allemaal deel uit van dezelfde algehele beweging.

Om dit effect in animatie te creëren, gebruiken animators "doorvolgen" en "overlappende actie". Follow-through is wanneer delen van een object of personage blijven bewegen, zelfs nadat de hoofdbeweging is gestopt. Als een personage bijvoorbeeld stopt met rennen, kan het haar nog even naar achteren blijven golven. Overlappende actie is wanneer verschillende delen van een object of personage met verschillende snelheden bewegen, waardoor een meer vloeiende en natuurlijke beweging ontstaat.

6. Vertraag en vertraag

De "langzaam in en langzaam uit” -principe is een basis maar belangrijk principe van animatie waarbij meer frames aan het begin en einde van een beweging worden toegevoegd om een ​​meer natuurlijke en vloeiende uitstraling te creëren.

Het basisidee achter dit principe is dat objecten in het echte leven doorgaans niet met een constante snelheid bewegen. In plaats daarvan hebben ze de neiging om te versnellen en te vertragen wanneer ze beginnen en stoppen met bewegen. Door meer frames aan het begin en einde van een beweging toe te voegen, kunnen animators een meer geleidelijke versnelling en vertraging creëren, waardoor de animatie er natuurlijker en geloofwaardiger uitziet.

Als u bijvoorbeeld een stop-motionanimatie wilt maken van een bal die over de grond rolt, kunt u meerdere foto's maken van de bal op verschillende posities wanneer deze begint te rollen, en vervolgens geleidelijk het aantal foto's dat u maakt naarmate deze aan kracht wint. en verlaag vervolgens het aantal foto's weer als het stopt.

7. Boog

De boog principe is essentieel in animatie omdat het de wetten van de fysica en de natuurlijke effecten van de zwaartekracht weerspiegelt. Wanneer een object of een persoon beweegt, volgen ze een natuurlijk pad dat niet recht maar gebogen is. Door bogen aan animaties toe te voegen, kunnen animators de animatie er natuurlijker en realistischer uit laten zien.

Een voorbeeld van het gebruik van bogen in animatie is wanneer een persoon loopt. Terwijl de persoon zijn armen en benen beweegt, volgen ze verschillende bogen. Door op de bogen te letten, kunnen animators gracieuzere en natuurlijkere animaties maken. Een ander voorbeeld is dat wanneer een bal wordt gegooid, deze een boog door de lucht volgt als gevolg van de kracht die erop wordt uitgeoefend. Door secundaire bogen aan de animatie toe te voegen, kunnen animators de beweging er vloeiender en natuurlijker uit laten zien.

8. Secundaire actie

Secundaire actie verwijst naar het idee dat bewegende objecten secundaire bewegingen in andere delen van het lichaam zullen veroorzaken. Ze worden gebruikt om de hoofdactie in een scène te ondersteunen of te benadrukken. Het toevoegen van secundaire acties kan meer diepte toevoegen aan je personages en objecten.

Bijvoorbeeld de subtiele beweging van het haar van je personage terwijl ze lopen, of een gezichtsuitdrukking, of een secundair object dat op het eerste reageert. Hoe het ook zij, deze secundaire actie mag de primaire niet wegnemen.

9. Timing en afstand

Ik denk dat dit voor stop-motion de belangrijkste is. Het geeft echt betekenis aan een beweging.

Om dit principe van animatie toe te passen, moeten we rekening houden met de wetten van de natuurkunde en hoe ze van toepassing zijn op de natuurlijke wereld.

timing betreft de tijdsduur dat een object op het scherm staat, terwijl spatiëring omvat de plaatsing en beweging van het object.

Afhankelijk van wat voor soort beweging of object je wilt overbrengen dien je rekening te houden met de juiste mate van versoepeling. Als je een object te snel of te langzaam beweegt in vergelijking met de natuurlijke beweging in de echte wereld, zal de animatie niet geloofwaardig zijn.

Om dit principe toe te passen in stop-motionanimatie, moet u eerst nadenken over de framerate waarop u fotografeert. Als je met één of twee foto's fotografeert, fotografeer je hoogstwaarschijnlijk met respectievelijk 12 of 24 frames.

Time-out vervolgens van tevoren uw animatiereeks. Als je bijvoorbeeld een rollende bal hebt en de opnameduur is 3.5 seconden, vermenigvuldig dan de opnametijd met je framerate, bijvoorbeeld 12 frames.

Je weet nu dat je voor deze opname ongeveer 42 foto's (3.5 x 12) nodig hebt.

Als u de afstand wilt meten die het object nodig heeft om in de opname te bewegen. Laten we zeggen dat het 30 cm is en de afstand delen door het aantal frames. Dus in ons voorbeeld 30 / 42 = 0.7 mm per frame.

Uiteraard dien je rekening te houden met de juiste hoeveelheid versoepeling. Het zal dus niet exact 0.7 mm per frame zijn.

10. Overdrijving

Dit principe wordt gebruikt om een ​​dramatisch en impactvol effect te creëren in animaties. Animators gebruiken overdrijving om bewegingen en uitdrukkingen levensgroot te maken, wat resulteert in een dynamischer effect.

Hoewel animaties er natuurlijk uit moeten zien, moeten ze een beetje overdreven zijn om effectief te zijn. Dit betekent dat bewegingen iets groter moeten zijn dan ze in het echt zouden zijn, waardoor een dynamischer effect ontstaat.

Overdrijving is een principe dat met groot effect kan worden gebruikt in animatie. Door bepaalde aspecten van de animatie te overdrijven, kunnen animators een meer dynamische en boeiende ervaring voor het publiek creëren.

11. Stevige tekening

Solide tekenen is een ander belangrijk principe waar animators rekening mee moeten houden. Dit principe heeft alles te maken met de manier waarop objecten en personages in drie dimensies worden getekend. Door aandacht te besteden aan de fysieke aspecten van de animatie, kunnen animators een meer levensechte en boeiende animatie maken.

12. Beroep

Hoger beroep is een ander principe dat met groot effect kan worden gebruikt in animatie. Dit principe heeft alles te maken met de manier waarop personages en objecten worden getekend om aantrekkelijk te zijn voor het publiek. Door aandacht te besteden aan de manier waarop personages worden getekend of gemaakt, kunnen animators een boeiendere en dynamischere animatie maken.

Alan Becker

Laten we het hebben over Alan Becker, de Amerikaanse animator en YouTube-persoonlijkheid die bekend staat om het maken van de serie Animator vs. Animation. Ik denk dat hij de beste en meest uitgebreide uitleg heeft over de 12 principes van animatie, dus bekijk deze eens!

Hoe oefen je de 12 principes van animatie?

Om deze principes te oefenen, moet je beginnen met ze te leren. Er zijn heel veel bronnen die je de ins en outs van elk principe kunnen leren, maar het belangrijkste is om te begrijpen hoe ze samenwerken. Elk principe speelt een rol bij het naadloos laten verlopen van uw animatie.

Een van de beste manieren om te oefenen is de beroemde: stuiterbal. Het heeft bijna alles. Squash en stretch, wanneer de bal bijna de grond raakt. Het heeft "slow in en slow out", wanneer de bal begint. Het beweegt in een boog en je kunt experimenteren met allerlei verschillende timings.

Als je de principes eenmaal goed begrijpt, is het tijd om ze toe te passen op je eigen werk. Hier begint het echte plezier! Begin te experimenteren met verschillende technieken en kijk hoe je de principes kunt gebruiken om je animatie te verbeteren. Probeer misschien wat squash en stretch aan je personages toe te voegen, of speel met timing en spatiëring om een ​​gevoel van gewicht en momentum te creëren.

Maar hier gaat het om. Je kunt niet alleen op de principes vertrouwen. Je moet ook wat creativiteit en verbeeldingskracht hebben! Gebruik de principes als basis, maar wees niet bang om de regels te overtreden en iets nieuws te proberen. Zo laat u uw animatie echt opvallen.

Oefen de 12 principes van animatie door ze te leren, toe te passen en vervolgens te breken. Het is alsof je een heerlijke maaltijd kookt, maar dan met je personages en kaders in plaats van ingrediënten en kruiden.

Conclusie

Dus daar heb je het, de 12 principes van animatie die door Disney en vele andere studio's zijn gebruikt om enkele van de meest memorabele personages en scènes in de animatiegeschiedenis te creëren.

Nu je deze kent, kun je ze gebruiken om je eigen animaties levensechter en geloofwaardiger te maken.

Hallo, ik ben Kim, een moeder en een stop-motionliefhebber met een achtergrond in mediacreatie en webontwikkeling. Ik heb een enorme passie voor tekenen en animatie, en nu duik ik halsoverkop de wereld van stop-motion in. Met mijn blog deel ik mijn lessen met jullie.