De 12 prinsippene for animasjon: En omfattende veiledning

av kim oppdatert: Mars 28, 2023

Sliter du også noen ganger med å lage realistiske og engasjerende animasjoner?

I så fall er du ikke alene. animasjon er en unik form for kunst som krever en delikat balanse mellom kunstnerisk kreativitet og vitenskapelig forståelse.

Heldigvis er det noen grunnleggende prinsipper som kan lede deg på reisen mot mer naturtro og overbevisende animasjoner.

Skriv inn de 12 prinsippene for animasjon.

De 12 prinsippene for animasjon ble utviklet av Disney-animatorene Ollie Johnston og Frank Thomas og publisert i en bok kalt "The Illusion of Life". De er et sett med retningslinjer som kan hjelpe deg å lage mer naturtro og realistisk animasjon.

I denne artikkelen vil vi utforske hvert av de 12 prinsippene i detalj, slik at du kan ta animasjonsferdighetene dine til neste nivå.

1. Squash og Stretch

Squash og strekk er et prinsipp som anses å være et av de mest grunnleggende og viktigste prinsippene for animasjon.

Det er teknikken for å overdrive formen og volumet til karakterer eller objekter for å skape en illusjon av masse, vekt og kraft. Når en gjenstand blir klemt, ser den ut til å komprimeres, og når den strekkes, ser den ut til å forlenges.

Denne effekten imiterer den elastiske kvaliteten til virkelige gjenstander og formidler en følelse av bevegelse og vekt. Dette kan brukes på enkle bevegelser som å sprette en ball eller på mer komplekse bevegelser som muskulaturen til den menneskelige figuren. Graden av overdrivelse kan være komisk eller subtil, avhengig av animasjonens behov.

2. Forventning

Forventning er et prinsipp for animasjon som innebærer å forberede seeren på en handling som er i ferd med å skje. Det er øyeblikket rett før hovedhandlingen finner sted, hvor karakteren eller objektet gjør seg klar til å hoppe, svinge, sparke, kaste eller gjøre en hvilken som helst annen handling. Forventning bidrar til å gjøre handlingen mer troverdig og effektiv ved å gi betrakteren en følelse av hva som er i ferd med å skje.

Både forventning og oppfølging (senere i denne listen) er to prinsipper som involverer start- og sluttbevegelser. Forventning brukes til å forberede publikum på en kommende bevegelse, mens oppfølging brukes til å skape en følelse av fortsettelse etter at bevegelsen er avsluttet. Disse prinsippene er avgjørende for å skape overbevisende og dramatiske bevegelser.

3. Iscenesettelse

Iscenesettelse er et annet prinsipp som er avgjørende for suksessen til en animasjon. Dette prinsippet handler om plassering av objekter og karakterer innenfor rammen. Ved å holde fokus på essensen av scenen og unngå unødvendige distraksjoner, er animatører i stand til å skape en klar og umiskjennelig regissert presentasjon. Dette kan oppnås ved å være oppmerksom på kameraposisjonen, lyset og plasseringen til objektene innenfor rammen.

4. Poser og rett frem

Pose for å posere og rett frem er to forskjellige tilnærminger til animasjon. Pose til posering innebærer å lage nøkkelpositurer og fylle ut intervallene mellom dem, mens rett frem innebærer å lage bevegelser fra start til slutt. Når en animatør bruker Straight Ahead Action-metoden, starter de på begynnelsen av animasjonen og tegner hver frame i rekkefølge til slutten.

Hvilken metode bør du bruke?

Vel, jeg kan være veldig kort om denne... I stop motion-animasjon er det bare animasjon rett frem. Siden det er nesten umulig å posere for å posere med ekte gjenstander.

Imidlertid kan jeg si dette om å animere i positur til pose-metode. I stop motion må du planlegge alt nøye. Hvis du går en tur, kan du forhåndsbestemme hvor berøringspunktene skal være. Som du ville gjort når du animerer nøkkelbildene i positur til positur. Så sånn sett er metoden litt lik, men når selve animasjonen er ferdig, er det alltid rett frem.

5. Følg gjennom og overlappende handling

Følg gjennom og overlappende handling er et animasjonsprinsipp som brukes til å skape mer naturlige og troverdige bevegelser i karakterer og objekter.

Tanken bak dette prinsippet er at når en gjenstand eller karakter beveger seg, beveger ikke alt seg samtidig eller med samme hastighet. Ulike deler av objektet eller karakteren vil bevege seg i litt forskjellige hastigheter og i forskjellige retninger, noe som skaper en mer realistisk og flytende bevegelse.

Se for eksempel en person som løper. Når de beveger seg fremover, kan håret flyte bakover, armene kan svinge forover og bakover, og klærne deres kan kruse i vinden. Alle disse bevegelsene skjer med forskjellige hastigheter og i forskjellige retninger, men de er alle en del av den samme generelle bevegelsen.

For å skape denne effekten i animasjon bruker animatører «følge gjennom» og «overlappende handling». Follow through er når deler av et objekt eller karakter fortsetter å bevege seg selv etter at hovedbevegelsen har stoppet. For eksempel, når en karakter slutter å løpe, kan håret deres fortsette å flyte bakover et øyeblikk. Overlappende handling er når forskjellige deler av et objekt eller karakter beveger seg med forskjellige hastigheter, og skaper en mer flytende og naturlig bevegelse.

6. Sakte inn og sakte ut

Den "sakte inn og sakte ut”-prinsippet er et grunnleggende, men viktig prinsipp for animasjon som innebærer å legge til flere rammer i begynnelsen og slutten av en bevegelse for å skape et mer naturlig og flytende utseende.

Den grunnleggende ideen bak dette prinsippet er at objekter vanligvis ikke beveger seg med konstant hastighet i det virkelige liv. I stedet har de en tendens til å akselerere og bremse når de starter og slutter å bevege seg. Ved å legge til flere rammer i begynnelsen og slutten av en bevegelse, kan animatører skape en mer gradvis akselerasjon og retardasjon, noe som gjør at animasjonen ser mer naturlig og troverdig ut.

Hvis du for eksempel ønsker å lage en stop motion-animasjon av en ball som ruller over bakken, kan du ta flere bilder av ballen i forskjellige posisjoner når den begynner å rulle, og deretter gradvis øke antallet bilder du tar etter hvert som den får fart , og reduser deretter antallet bilder igjen når det stopper.

7. Bue

De arc Prinsippet er essensielt i animasjon fordi det gjenspeiler fysikkens lover og de naturlige effektene av tyngdekraften. Når et objekt eller en person beveger seg, følger de en naturlig bane som ikke er rett, men buet. Ved å legge til buer i animasjoner kan animatører få animasjonen til å se mer naturlig og realistisk ut.

Et eksempel på hvordan man bruker buer i animasjon er når en person går. Når personen beveger armer og ben, følger de forskjellige buer. Ved å ta hensyn til buene, kan animatører lage mer grasiøse og naturlige animasjoner. Et annet eksempel er når en ball kastes, den følger en bue gjennom luften på grunn av kraften som påføres den. Ved å legge til sekundære buer til animasjonen, kan animatører få bevegelsen til å se mer flytende og naturlig ut.

8. Sekundær handling

Sekundær handling refererer til ideen om at objekter i bevegelse vil skape sekundære bevegelser i andre deler av kroppen. De brukes til å støtte eller understreke hovedhandlingen som skjer i en scene. Å legge til sekundære handlinger kan gi mer dybde til karakterene og objektene dine.

For eksempel den subtile bevegelsen av karakterens hår mens de går, eller et ansiktsuttrykk eller et sekundært objekt som reagerer på det første. Uansett hva tilfellet måtte være, bør ikke denne sekundære handlingen ta bort fra den primære.

9. Timing og avstand

Jeg tror for stop motion dette er det viktigste. Det gir virkelig en mening til en bevegelse.

For å bruke dette prinsippet om animasjon, bør vi vurdere fysikkens lover og hvordan de gjelder for den naturlige verden.

timing innebærer hvor lenge et objekt er på skjermen, mens avstand innebærer plassering og bevegelse av objektet.

Avhengig av hvilken type bevegelse eller gjenstand du ønsker å formidle, bør du ta hensyn til riktig mengde lettelser. Hvis du flytter et objekt for raskt eller for sakte sammenlignet med dets naturlige bevegelse i den virkelige verden, vil animasjonen ikke være troverdig.

For å bruke dette prinsippet i stop motion-animasjon, bør du først vurdere bildefrekvensen du fotograferer med. Hvis du fotograferer på en eller to, vil du mest sannsynlig fotografere på henholdsvis 12 eller 24 bilder.

Deretter tar du tid for animasjonssekvensen på forhånd. For eksempel, hvis du har en rullende ball og skuddvarigheten er 3.5 sekunder, multipliser skuddtiden med bildefrekvensen din, for eksempel 12 bilder.

Så nå vet du at for dette bildet trenger du omtrent 42 bilder (3.5 x 12).

Hvis du vil måle avstanden objektet trenger for å bevege seg i skuddet. La oss si at det er 30 cm og dele avstanden på antall rammer. Så i vårt eksempel er 30 / 42 = 0.7 mm per ramme.

Selvfølgelig bør du ta riktig mengde lettelser i betraktning. Så det blir ikke nøyaktig 0.7 mm per ramme.

10. Overdrivelse

Dette prinsippet brukes til å skape en dramatisk og virkningsfull effekt i animasjoner. Animatører bruker overdrivelse for å gjøre bevegelser og uttrykk større enn livet, noe som resulterer i en mer dynamisk effekt.

Selv om animasjoner skal se naturlige ut, må de overdrives litt for å være effektive. Dette betyr at bevegelsene bør være litt større enn de ville vært i det virkelige liv, og skape en mer dynamisk effekt.

Overdrivelse er et prinsipp som kan brukes med stor effekt i animasjon. Ved å overdrive visse aspekter av animasjonen, er animatører i stand til å skape en mer dynamisk og engasjerende opplevelse for publikum.

11. Solid tegning

Solid tegning er et annet nøkkelprinsipp som animatører må vurdere. Dette prinsippet handler om måten objekter og karakterer tegnes i tre dimensjoner. Ved å ta hensyn til de fysiske aspektene ved animasjonen, er animatører i stand til å lage en mer naturtro og engasjerende animasjon.

12. Anke

Attraktivitet er et annet prinsipp som kan brukes med stor effekt i animasjon. Dette prinsippet handler om måten karakterer og gjenstander blir trukket til å appellere til publikum. Ved å ta hensyn til måten karakterer tegnes eller lages på, er animatører i stand til å lage en mer engasjerende og dynamisk animasjon.

Alan Becker

La oss snakke om Alan Becker, den amerikanske animatøren og YouTube-personligheten kjent for å lage Animator vs. Animation-serien. Jeg tror han har den beste og mest omfattende forklaringen om de 12 prinsippene for animasjon, så sjekk denne!

Hvordan praktiserer du de 12 prinsippene for animasjon?

Nå, for å praktisere disse prinsippene, må du begynne med å lære dem. Det er tonnevis av ressurser der ute som kan lære deg inn og ut av hvert prinsipp, men det viktigste er å forstå hvordan de fungerer sammen. Hvert prinsipp spiller en rolle i å få animasjonen til å flyte sømløst.

En av de beste måtene å øve på er den berømte: sprettball. Den har nesten alt. Squash og strekk, når ballen nesten treffer bakken. Den har "sakte inn og sakte ut", når ballen starter. Den beveger seg i en bue, og du kan eksperimentere med alle mulige forskjellige tidspunkter.

Når du har fått en god forståelse av prinsippene, er det på tide å begynne å bruke dem i ditt eget arbeid. Det er her den virkelige moroa begynner! Begynn å eksperimentere med forskjellige teknikker og se hvordan du kan bruke prinsippene til å forbedre animasjonen. Prøv kanskje å legge til litt squash og stretch til karakterene dine, eller lek deg med timing og mellomrom for å skape en følelse av vekt og fart.

Men her er saken. Du kan ikke bare stole på prinsippene alene. Du må ha litt kreativitet og fantasi også! Bruk prinsippene som grunnlag, men ikke vær redd for å bryte reglene og prøve noe nytt. Det er slik du virkelig får animasjonen din til å skille seg ut.

Øv de 12 prinsippene for animasjon ved å lære dem, bruke dem og deretter bryte dem. Det er som å lage et deilig måltid, men med dine karakterer og rammer i stedet for ingredienser og krydder.

konklusjonen

Så der har du det, de 12 prinsippene for animasjon som har blitt brukt av Disney og mange andre studioer for å lage noen av de mest minneverdige karakterene og scenene i animasjonshistorien.

Nå som du kjenner disse, kan du bruke dem til å gjøre dine egne animasjoner mer naturtro og troverdige.

Hei, jeg er Kim, en mamma og en stop-motion-entusiast med bakgrunn innen medieskaping og nettutvikling. Jeg har en enorm lidenskap for tegning og animasjon, og nå dykker jeg med hodet først inn i stop-motion-verdenen. Med bloggen min deler jeg det jeg har lært med dere.