Hoe om storiebord te gebruik vir stop motion animasie

deur kim Opgedateer: Maart 6, 2023

Laat ek begin deur te sê: Jy het nie altyd 'n nodig nie storyboard. En die formaat van die storiebord is beslis nie altyd in klip gehou nie. Maar wanneer jy stop-motion-animasie doen, of enige soort mediaproduksie, is dit altyd 'n goeie idee om met 'n plan in te gaan. En daardie plan skep 'n storiebord. 

'n Storiebord is 'n visuele voorstelling van die storie voor animasie. Animators gebruik storieborde om die hele animasie te beplan. 'n Storiebord bevat beeldmateriaal en notas wat rame of skote van 'n film voorstel.

Wil jy jou storievertelvaardighede na die volgende vlak neem? Of soek jy maniere om die produksieproses van jou stop-motion-animasies te bespoedig? 

In hierdie gids sal ek verduidelik wat dit is, hoe om een ​​te skep, hoe om dit in produksie te gebruik.

Wat is 'n storiebord?

Storyboarding in animasie is soos 'n visuele padkaart vir jou animasieprojek. Dit is 'n reeks sketse wat die sleutelgebeure van die vertelling uitbeeld, van begin tot einde. Dink daaraan as 'n visuele brug tussen jou draaiboek of konsep en die voltooide animasie. 

Dit is soos 'n bloudruk vir die hele projek. Wat 'n storiebord basies is, is 'n vel papier met panele en duimnaels. Hulle verteenwoordig 'n raam of 'n skoot van jou film, en daar is gewoonlik 'n bietjie spasie om 'n paar notas soos skoottipes of kamerahoeke. 

Die doel van 'n storiebord is om 'n boodskap of 'n storie op 'n maklik leesbare manier vir óf jou kliënte óf ander lede van 'n produksiespan oor te dra.

Dit is ook 'n goeie manier om jou idees te organiseer en die animasieproses te beplan. As jy dus 'n animeerder is of net begin het, is dit 'n noodsaaklike deel van die kreatiewe proses om te leer hoe om 'n storiebord te skep. Dit sal jou help om georganiseerd te bly en jou idees tot lewe te bring.

Hoekom is Storyboarding belangrik?

As jy in 'n span werk, is storiebordwerk 'n goeie manier om jou visie aan ander te kommunikeer. Dit help om te verseker dat almal wat by die produksieproses betrokke is, op dieselfde bladsy is en dat jou animasie presies lyk soos jy dit voorgestel het. 

As jy 'n projek alleen doen, is dit 'n goeie manier om die storie te visualiseer en die projek uit te brei voordat enige produksiewerk gedoen word. Dit kan op die lange duur tyd bespaar. Dit is ook 'n goeie manier om jou notas tydens produksie op een plek te hou. 

Jy kan 'n animasie van die prente of tekeninge skep en sien hoe die storievloei is en of enige aanpassings nodig is. 

Dit visualiseer die storie en is 'n nuttige hulpmiddel om die narratief vir die kykers te lei sodat hulle ten volle verstaan ​​wat gebeur en hoekom. Maak nie saak met watter tipe projek jy begin nie, dit sal wys wees om tyd te spandeer om 'n storiebord te skep.

Wat is die proses om 'n storiebord in stopbeweging-animasie te maak?

Die skep van 'n storiebord in stop motion animasie is 'n prettige en kreatiewe proses. Dit begin met die uitdink van 'n konsep en besluit watter soort storie jy wil vertel, met die veronderstelling dat jy reeds nie een gehad het nie. 

Sodra jy jou idee het, sal jy die volgorde van gebeure moet uitvind en watter beeldmateriaal jy nodig het om dit tot lewe te bring. Jy sal 'n reeks sketse moet opstel wat elke toneel illustreer, en dan die tydsberekening en tempo van die animasie moet uitvind. 

Uiteindelik sal u moet beplan die kamerahoeke en bewegings wat jy sal gebruik om die aksie vas te vang. Dit is baie werk, maar dit is die moeite werd as jy sien hoe jou storie lewe kry!

Hoe maak jy 'n storiebord op 'n stop-motion-animasie?

Vir jou eerste poging om 'n storiebord te skep, sal dit genoeg wees om 'n skets te teken en die stemreëls onder elke skets neer te skryf. Jy sal ook ander belangrike besonderhede wil deurdink. Die perfekte storiebord moet die volgende items hê.

• Aspekverhouding is die verhouding tussen die breedte en die hoogte van die beelde. Vir die meeste aanlynvideo's kan jy 16:9 gebruik
• Die duimnael is 'n reghoekige blokkie wat uitbeeld wat op 'n enkele punt in jou storie aangaan.
• Kamerahoeke: beskryf die tipe skoot wat vir 'n spesifieke volgorde of toneel gebruik word
• Skoottipes: beskryf die tipe skoot wat vir 'n spesifieke volgorde of toneel gebruik word
• Kamerabewegings en -hoeke – jy kan byvoorbeeld opmerk wanneer 'n kamera voorwerpe in die raam sal nader of wegbeweeg.
• Oorgange – is die maniere waarop een raam na die volgende verander sal word.

Verskil tussen lewendige aksie en animasie

Voordat ons dus begin, moet ons oor terminologie praat. En ons sal begin deur die verskil tussen lewendige aksie-storieborde en animasie-storieborde te noem. 

Daar is verskille tussen lewendige storiebord en animasie storiebord, waarvan een die aantal tekeninge is wat nodig is vir 'n toneel. Vir lewendige aksie word slegs die begin- en eindpunte van 'n aksie geteken, en skote van ander nodige tonele word bygevoeg. Aan die ander kant, in animasie-storieborde, word die karakters deur animasie geskep, en sleutelrame moet geteken word, veral vir handgetekende animasie. Die tussen-in rame word dan bygevoeg soos die animasie vorder om die aksie gladder te maak.

Boonop verskil die manier waarop tonele en skote genommer word tussen lewendige storiebord en animasie storiebord. Waar in lewendige aksie jy 'n skoot het wat na die kamerahoek verwys en die toneel verwys na die ligging of die tydsduur. In animasie het jy een reeks wat uit tonele bestaan. So in animasie gebruik jy die woord toneel vir die kamerahoek of 'n skoottipe, en 'n volgorde verwys na die tydsduur.

Stop motion het dieselfde benadering in storiebord as animasie. Met albei is daar 'n fokus op die uitwerk van die sleutelposisies van jou karakters in jou storieborde.

'n Ding waarin die twee verskil, is die feit dat jy met stop motion te doen het met werklike kamerabewegings in 'n 3d-omgewing, in teenstelling met 2d-animasie waar jy net die karakters van een kant op 'n slag kan wys

Kamerahoeke en -skote

Volgende is die verskillende kamerahoeke en skoottipes wat tot jou beskikking is as 'n storiebord.

Omdat elke paneel wat jy teken, in wese 'n kamerahoek of 'n skoottipe beskryf.

Kamerahoeke word beskryf as óf ooghoogte, hoë hoek, lae hoek.

En 'n kameraskoot verwys na die grootte van die kamera-aansig.

Daar is ses algemene skoottipes: die vestigende skote, die wye skote, die lang skote, die medium, die naby en die uiterste naby.

Kom ons kyk na al ses van hulle.

Die vestigingskoot:

Soos die naam sê dit vestig die toneel. Dit is gewoonlik 'n baie wye hoek waar die gehoor kan sien waar die toneel afspeel. Jy kan hierdie tipe skoot aan die begin van jou fliek gebruik

Die wye skoot

Die wydskoot is nie so groot en wyd soos die vestigingsskoot nie, maar steeds as baie wyd beskou. Hierdie tipe skoot gee die kyker ook 'n indruk van die plek waar die toneel afspeel. Jy kan hierdie skoot gebruik nadat jy 'n reeks nabyskote gehad het, om terug te keer na die storie.

Die lang skoot:

Die langskoot kan gebruik word om die volle karakter van kop tot tone te wys. Dit is veral handig wanneer jy die beweging van die karakter en die ruimte of area waarin die karakter is wil vasvang. 

Die medium skoot:

Die medium skoot wys die karakter reeds 'n bietjie nader, van die middel af. Jy kan hierdie skoot gebruik as jy beide die emosie en bewegings van die hande of bolyf wil oordra. 

Die close up

Die close-up is waarskynlik een van die belangrikste skote in die hele film, want dit is die een skoot wat jy kan gebruik wat regtig op die karakter en die emosies sal fokus.

Die uiterste naby

Na die close-up het jy die uiterste close-up, wat regtig op een area van die gesig fokus, byvoorbeeld die oë. Dit word gewoonlik gebruik om die spanning en die drama van enige toneel regtig te verhoog.

Die skep van die duimnaels

Jy het nie noodwendig spoggerige toerusting nodig nie. Al wat jy nodig het is 'n potlood en papier en jy kan jou idees begin skets. Jy kan ook sagteware soos Adobe Photoshop of Storyboarder gebruik om 'n digitale storiebord te skep. 

Dit help egter as jy 'n paar, ten minste basiese, tekenvaardighede het. 

Nou gaan ek nie in volle besonderhede in nie, want hierdie is nie 'n tekenkursus nie. Maar ek dink dit sal jou storieborde baat as jy gesigsuitdrukkings, aktiewe houdings kan teken en om in perspektief te kan teken. 

En onthou, die formaat van die storiebord is nie in klip gehou nie. So as jy nie gemaklik is om te teken nie, is daar nog ander metodes daar buite. Jy kan 'n digitale storiebord skep of selfs net die foto's van die figure of voorwerpe gebruik. 

Maar dit is net die tegniese aspekte. Jy kan ook kyk na die meer artistieke konsepte soos die visuele taal in jou tekeninge. 

Wat is die visuele taal in storiebordanimasie?

Visuele taal in storiebord-animasie gaan alles oor die oordra van 'n storie of idee met beelde. Dit gaan daaroor om perspektief, kleur en vorm te gebruik om die gehoor te lei om sekere dinge te voel en te sien. Dit gaan oor die gebruik van lyne om figure en beweging te definieer, vorms om verskillende dinge voor te stel en emosie en beweging te skep, ruimte om diepte en grootte te wys, toon om kontras te skep en sekere elemente te beklemtoon, en kleur om buie en tye van die dag te skep. Dit gaan daaroor om 'n visuele storie te skep wat die gehoor sal boei en betrek. Kortom, dit gaan daaroor om beeldmateriaal te gebruik om 'n storie te vertel!

Weereens, visuele taal is 'n hele onderwerp op sy eie. Maar ek wil wel 'n paar belangrike dinge hier uitwys. 

Die beginsel van samestelling: die reël van derdes

Die reël van derdes is 'n "duimreël" vir die samestelling van visuele beelde en kan toegepas word op die teken van jou storieborde. Die riglyn sê dat die beeld voorgestel moet word as verdeel in nege gelyke dele deur twee ewe gespasieerde horisontale lyne en twee ewe gespasieer vertikale lyne, en dat jou beeld visueel meer aantreklik is wanneer jy jou onderwerp op een van hierdie lyne plaas. 

Dit kan natuurlik ook 'n artistieke keuse wees om jou onderwerp te sentreer. Daar is baie voorbeelde in flieks waar die visuele styl meer daarop gerig is om die hoofonderwerp te sentreer. 

Dink dus na oor wat nodig is vir 'n goeie vloei in die vertelling en hoe die komposisie van die beeld kan bydra.

Die 180 grade reël

So, wat is die 180-grade reël en hoe werk dit? 

"Die 180-grade reël bepaal dat twee karakters (of meer) in 'n toneel altyd dieselfde links/regs verhouding met mekaar moet hê."

Die reël sê jy trek 'n denkbeeldige lyn tussen hierdie twee karakters en probeer om jou kamera(s) aan dieselfde kant van hierdie 180-grade lyn te hou.

Kom ons sê byvoorbeeld jy het 'n meesterskoot van twee mense wat praat. As die kamera tussen die karakters wissel en die kamera is aan dieselfde kant, behoort dit so te lyk.

As jou kamera hierdie lyn oorsteek, sal jou gehoor se begrip van waar die karakters is en hul links/regs-oriëntasie weggegooi word, soos jy in die prent hieronder kan sien. 

Hoe om die kamerabewegings en -hoeke te teken

Pan / kantel verwys na die horisontale of vertikale beweging van 'n kamera. Dit laat jou toe om 'n onderwerp op te spoor of beweging binne die raam te volg. Om 'n skuifskoot te beplan, kan jy 'n storiebord met rame skep om die kamera se begin- en eindposisies te wys, en pyltjies gebruik om sy bewegingsrigting aan te dui.

'n Spoorskoot is 'n tegniek om onderwerpe te volg wat behels dat die hele kamera van een plek na 'n ander verskuif word. Dit word dikwels gebruik om 'n bewegende onderwerp te volg en kan gedoen word deur gebruik te maak van spore, 'n pop of hand.

inzoomen verstel die kameralens om die onderwerp nader of verder weg te bring. Dit is nie 'n beweging van die kamera self nie. Inzoom raam die onderwerp nader, terwyl uitzoem meer van die toneel vasvang.

Hoe om die meeste van jou storiebordnotas vir (na)produksie te maak

Wanneer jy ook al skiet, is dit altyd 'n goeie idee om enige notas of opmerkings wat jy het, neer te skryf. Op hierdie manier sal jy vooruit kan beplan vir watter agtergronde of rekwisiete jy nodig het tydens skiet. Dit is ook 'n goeie manier om vooruit te beplan vir redigering. Byvoorbeeld wanneer om verwysingsfoto's te maak vir verwydering na produksie. 

Tydens skiet kan jy neerskryf kamera-instellings, beligtingsinstellings en kamerahoeke om maklik opnames vir die volgende dag op te tel. 

Laastens kan die storieborde ook gebruik word om neer te skryf hoe lank 'n sekere toneel of reeks is. Dit is veral handig wanneer jy klankeffekte, musiek of voice overs gebruik. 

Nadat u die storiebord voltooi het

Sodra jou storieborde klaar is, kan jy 'n animasie skep. Dit is 'n voorlopige weergawe van die toneel, wat die individuele rame van die storiebord gebruik. Die animasie help jou om die beweging en tydsberekening van elke skoot te bepaal. Op hierdie manier kan jy regtig 'n goeie idee kry as die volgorde blyk te wees soos jy bedoel het.

Verskille

Storiebord In Stop Motion Vs Animasie

Stop motion en animasie is twee baie verskillende tipes storievertelling. Stop-beweging is 'n tegniek waar voorwerpe fisies gemanipuleer en raam-vir-raam gefotografeer word om die illusie van beweging te skep. Animasie, aan die ander kant, is 'n digitale proses waar individuele tekeninge, modelle of voorwerpe raam-vir-raam gefotografeer word om die illusie van beweging te skep.

As dit by storieborde kom, verg stop motion baie meer beplanning en voorbereiding as animasie. Vir stop motion, moet jy 'n fisiese storiebord skep met gedetailleerde tekeninge en notas oor hoe jy beplan om elke voorwerp te skuif. Met animasie kan jy 'n digitale storiebord skep met rowwe sketse en notas oor hoe jy beplan om elke karakter of voorwerp te animeer. Stop motion is baie meer tydrowend en arbeidsintensief, maar dit kan 'n unieke en pragtige voorkoms skep wat nie met animasie gerepliseer kan word nie. Animasie, aan die ander kant, is baie vinniger en kan gebruik word om meer komplekse stories met 'n groter verskeidenheid karakters en instellings te skep.

Storiebord In Stop Motion Vs Story Mapping

Stop motion storiebord en storiekartering is twee verskillende benaderings om 'n visuele voorstelling van 'n storie te skep. Stop motion storiebord is 'n proses om 'n reeks stilbeelde te skep wat die aksie van 'n storie uitbeeld. Storiekartering, aan die ander kant, is 'n proses om 'n visuele voorstelling van die verhaal se narratiewe struktuur te skep.

Wanneer dit by stop motion storiebord kom, is die doel om 'n reeks stilbeelde te skep wat die aksie van die storie akkuraat uitbeeld. Hierdie metode verg baie kreatiwiteit en verbeelding om die gewenste effek te skep. Storiekartering is egter meer gefokus op die narratiewe struktuur van die storie. Dit behels die skep van 'n visuele voorstelling van die storie se plotpunte en hoe hulle verbind is. Hierdie metode verg baie beplanning en organisasie om te verseker dat die storie logies vloei.

In 'n neutedop, stop motion storiebording gaan alles oor die skep van 'n aanskoulike visuele voorstelling van die storie se aksie, terwyl storiekartering meer gefokus is op die narratiewe struktuur. Beide metodes verg baie kreatiwiteit en beplanning, maar die eindresultate kan heel anders wees. As jy dus 'n visuele voorstelling van jou storie wil skep, is dit belangrik om te oorweeg watter benadering die beste by jou projek pas.

Gevolgtrekking

Storieborde is 'n noodsaaklike deel van stop motion-animasie, wat jou help om jou skote te beplan en seker te maak dat jy alles het wat jy nodig het om jou storie te vertel. Dit is ook 'n goeie manier om almal op dieselfde bladsy te kry en seker te maak dat julle almal na dieselfde doelwit werk. So, as jy op soek is na stop motion of net 'n bietjie meer wil leer oor die proses, moenie bang wees om 'n reis na die naaste draaiende soesji-plek te neem en al die heerlike disse te probeer nie!

Hallo, ek is Kim, 'n ma en 'n stop-motion-entoesias met 'n agtergrond in mediaskepping en webontwikkeling. Ek het 'n groot passie vir teken en animasie, en nou duik ek kop eerste in die stop-motion wêreld. Met my blog deel ek my geleerdheid met julle.