Wie man Storyboarding für Stop-Motion-Animation verwendet

von Kim Aktualisiert: 6. März 2023

Lassen Sie mich gleich zu Beginn sagen: Man muss nicht immer a storyboard. Und das Format des Storyboards ist sicherlich nicht immer in Stein gemeißelt. Aber wenn Sie Stop-Motion-Animation oder jede Art von Medienproduktion machen, ist es immer eine gute Idee, einen Plan zu haben. Und dieser Plan erstellt ein Storyboard. 

Ein Storyboard ist eine visuelle Darstellung der Geschichte vor der Animation. Animatoren verwenden Storyboards, um die gesamte Animation zu planen. Ein Storyboard enthält visuelle Elemente und Notizen, die Einzelbilder oder Einstellungen eines Films darstellen.

Möchten Sie Ihre Storytelling-Fähigkeiten auf die nächste Stufe bringen? Oder suchen Sie nach Möglichkeiten, den Produktionsprozess Ihrer Stop-Motion-Animationen zu beschleunigen? 

In diesem Handbuch erkläre ich, was es ist, wie man es erstellt und wie man es in der Produktion verwendet.

Was ist ein Storyboard?

Storyboarding in der Animation ist wie eine visuelle Roadmap für Ihr Animationsprojekt. Es ist eine Reihe von Skizzen, die die wichtigsten Ereignisse der Erzählung von Anfang bis Ende darstellen. Betrachten Sie es als eine visuelle Brücke zwischen Ihrem Drehbuch oder Konzept und der fertigen Animation. 

Es ist wie eine Blaupause für das gesamte Projekt. Was ein Storyboard im Grunde ist, ist ein Blatt Papier mit Tafeln und Miniaturansichten. Sie stellen ein Einzelbild oder eine Aufnahme Ihres Films dar, und es gibt normalerweise etwas Platz, um einige Notizen zu machen, z. B. Aufnahmetypen usw Kamerawinkel. 

Das Ziel eines Storyboards ist es, eine Botschaft oder eine Geschichte auf leicht lesbare Weise für Ihre Kunden oder andere Mitglieder eines Produktionsteams zu vermitteln.

Es ist auch eine großartige Möglichkeit, Ihre Ideen zu organisieren und den Animationsprozess zu planen. Wenn Sie also Animator sind oder gerade erst anfangen, ist das Erlernen der Erstellung eines Storyboards ein wesentlicher Bestandteil des kreativen Prozesses. Es wird Ihnen helfen, organisiert zu bleiben und Ihre Ideen zum Leben zu erwecken.

Warum ist Storyboarden wichtig?

Wenn Sie in einem Team arbeiten, ist Storyboarding eine großartige Möglichkeit, Ihre Vision anderen mitzuteilen. Es hilft sicherzustellen, dass alle am Produktionsprozess Beteiligten auf derselben Seite sind und dass Ihre Animation genau so aussieht, wie Sie es sich vorgestellt haben. 

Wenn Sie ein Projekt alleine durchführen, ist dies eine großartige Möglichkeit, die Geschichte zu visualisieren und das Projekt auszuloten, bevor die Produktionsarbeiten abgeschlossen sind. Auf lange Sicht kann es einige Zeit sparen. Es ist auch eine großartige Möglichkeit, Ihre Notizen während der Produktion an einem Ort aufzubewahren. 

Sie können eine Animation der Bilder oder Zeichnungen erstellen und sehen, wie die Geschichte abläuft und ob Anpassungen erforderlich sind. 

Es visualisiert die Geschichte und ist ein hilfreiches Werkzeug, um die Erzählung für die Zuschauer zu leiten, damit sie vollständig verstehen, was passiert und warum. Unabhängig davon, mit welcher Art von Projekt Sie beginnen, ist es ratsam, Zeit mit der Erstellung eines Storyboards zu verbringen.

Wie wird ein Storyboard in Stop-Motion-Animation erstellt?

Das Erstellen eines Storyboards in Stop-Motion-Animation ist ein lustiger und kreativer Prozess. Es beginnt mit der Entwicklung eines Konzepts und der Entscheidung, welche Art von Geschichte Sie erzählen möchten, vorausgesetzt, Sie hatten noch keine. 

Sobald Sie Ihre Idee haben, müssen Sie die Abfolge der Ereignisse herausfinden und welche visuellen Elemente Sie benötigen, um sie zum Leben zu erwecken. Sie müssen eine Reihe von Skizzen erstellen, die jede Szene veranschaulichen, und dann das Timing und Tempo der Animation herausfinden. 

Schließlich müssen Sie planen die Kamerawinkel und Bewegungen, mit denen Sie die Aktion festhalten. Es ist eine Menge Arbeit, aber es lohnt sich, wenn Sie sehen, wie Ihre Geschichte zum Leben erweckt wird!

Wie erstellt man ein Storyboard für eine Stop-Motion-Animation?

Für Ihren ersten Versuch, ein Storyboard zu erstellen, reicht es aus, eine Skizze zu zeichnen und die Voice-Over-Zeilen unter jeder Skizze aufzuschreiben. Sie sollten auch andere wichtige Details durchdenken. Das perfekte Storyboard sollte die folgenden Elemente enthalten.

• Das Seitenverhältnis ist das Verhältnis zwischen Breite und Höhe der Bilder. Für die meisten Online-Videos können Sie 16:9 verwenden
• Das Miniaturbild ist ein rechteckiges Feld, das darstellt, was an einem einzelnen Punkt in Ihrer Geschichte vor sich geht.
• Kamerawinkel: Beschreiben Sie die Art der Aufnahme, die für eine bestimmte Sequenz oder Szene verwendet wird
• Einstellungstypen: Beschreiben Sie den Einstellungstyp, der für eine bestimmte Sequenz oder Szene verwendet wird
• Kamerabewegungen und Winkel – Sie können beispielsweise feststellen, wann sich eine Kamera Objekten im Rahmen nähert oder sich von ihnen entfernt.
• Übergänge – sind die Art und Weise, wie von einem Frame zum nächsten gewechselt wird.

Unterschied zwischen Live-Action und Animation

Bevor wir also beginnen, müssen wir über die Terminologie sprechen. Und wir beginnen damit, den Unterschied zwischen Live-Action-Storyboards und Animations-Storyboards zu erläutern. 

Es gibt Unterschiede zwischen Live-Storyboarding und Animations-Storyboarding, von denen einer die Anzahl der Zeichnungen ist, die für eine Szene erforderlich sind. Für Live-Action werden nur die Start- und Endpunkte einer Aktion gezeichnet und Aufnahmen von anderen notwendigen Szenen hinzugefügt. Andererseits werden in Animations-Storyboards die Charaktere durch Animation erstellt, und Keyframes müssen gezeichnet werden, insbesondere für handgezeichnete Animationen. Die Zwischenbilder werden dann im Verlauf der Animation hinzugefügt, um die Aktion flüssiger zu gestalten.

Darüber hinaus variiert die Art und Weise, wie Szenen und Einstellungen nummeriert werden, zwischen Live-Storyboarding und Animations-Storyboarding. Bei Live-Action haben Sie eine Einstellung, die sich auf den Kamerawinkel bezieht, und die Szene bezieht sich auf den Ort oder die Zeitdauer. In der Animation haben Sie eine Sequenz, die aus Szenen besteht. In der Animation verwenden Sie also das Wort Szene für den Kamerawinkel oder einen Einstellungstyp, und eine Sequenz bezieht sich auf die Zeitdauer.

Stop-Motion hat beim Storyboarding den gleichen Ansatz wie Animation. Bei beiden liegt der Fokus darauf, die Schlüsselposen Ihrer Charaktere in Ihren Storyboards herauszuarbeiten.

Eine Sache, in der sich die beiden unterscheiden, ist die Tatsache, dass Sie es bei Stop-Motion mit tatsächlichen Kamerabewegungen in einer 3D-Umgebung zu tun haben, im Gegensatz zu 2D-Animationen, bei denen Sie die Charaktere jeweils nur von einer Seite zeigen können

Kamerawinkel und Aufnahmen

Als nächstes folgen die verschiedenen Kamerawinkel und Aufnahmearten, die Ihnen als Storyboarder zur Verfügung stehen.

Weil jedes Panel, das Sie zeichnen, im Wesentlichen einen Kamerawinkel oder einen Aufnahmetyp beschreibt.

Kamerawinkel werden entweder als Augenhöhe, hoher Winkel, niedriger Winkel beschrieben.

Und eine Kameraaufnahme bezieht sich auf die Größe der Kameraansicht.

Es gibt sechs gängige Aufnahmetypen: die Einspielung, die Totale, die Totale, die mittlere, die Nahaufnahme und die extreme Nahaufnahme.

Werfen wir einen Blick auf alle sechs.

Die Einspielung:

Wie der Name schon sagt, etabliert dies die Szene. Es ist normalerweise ein sehr weiter Winkel, aus dem das Publikum sehen kann, wo die Szene stattfindet. Sie können diese Art von Aufnahme am Anfang Ihres Films verwenden

Der Weitschuss

Der Weitschuss ist nicht so groß und weit wie der Grundschuss, gilt aber dennoch als sehr weit. Diese Art von Aufnahme vermittelt dem Betrachter auch einen Eindruck von dem Ort, an dem die Szene spielt. Sie können diese Aufnahme verwenden, nachdem Sie eine Reihe von Nahaufnahmen gemacht haben, um zur Geschichte zurückzukehren.

Der Weitschuss:

Mit der Totalen kann der ganze Charakter von Kopf bis Fuß gezeigt werden. Dies ist besonders praktisch, wenn Sie die Bewegung der Figur und den Raum oder Bereich, in dem sich die Figur befindet, erfassen möchten. 

Die mittlere Aufnahme:

Die mittlere Einstellung zeigt den Charakter schon etwas näher, von der Hüfte aufwärts. Sie können diese Aufnahme verwenden, wenn Sie sowohl Emotionen als auch Bewegungen der Hände oder des Oberkörpers vermitteln möchten. 

Die Nahaufnahme

Die Nahaufnahme ist wahrscheinlich eine der wichtigsten Aufnahmen im gesamten Film, weil es die eine Einstellung ist, die Sie verwenden können, um sich wirklich auf die Figur und die Emotionen zu konzentrieren.

Die extreme Nahaufnahme

Nach der Nahaufnahme kommt die extreme Nahaufnahme, die sich wirklich auf einen Bereich des Gesichts konzentriert, zum Beispiel die Augen. Es wird normalerweise verwendet, um die Spannung und das Drama einer Szene wirklich zu erhöhen.

Erstellen der Miniaturansichten

Sie brauchen nicht unbedingt eine ausgefallene Ausrüstung. Alles, was Sie brauchen, ist ein Bleistift und Papier, und Sie können anfangen, Ihre Ideen zu skizzieren. Sie können auch Software wie Adobe Photoshop oder Storyboarder verwenden, um ein digitales Storyboard zu erstellen. 

Es hilft jedoch, wenn Sie einige, zumindest grundlegende Zeichenfähigkeiten haben. 

Ich werde jetzt nicht ins Detail gehen, da dies kein Zeichenkurs ist. Aber ich denke, es würde Ihren Storyboards zugute kommen, wenn Sie Gesichtsausdrücke und aktive Posen zeichnen können und perspektivisch zeichnen können. 

Und denken Sie daran, das Format des Storyboards ist nicht in Stein gemeißelt. Wenn Sie also nicht gerne zeichnen, gibt es noch andere Methoden. Sie könnten ein digitales Storyboard erstellen oder auch nur die Fotos der Figuren oder Objekte verwenden. 

Aber das sind nur die technischen Aspekte. Sie können sich auch die eher künstlerischen Konzepte wie die visuelle Sprache in Ihren Zeichnungen ansehen. 

Was ist die visuelle Sprache in der Storyboard-Animation?

Bei der visuellen Sprache in der Storyboard-Animation geht es darum, eine Geschichte oder Idee mit Bildern zu vermitteln. Es geht darum, Perspektive, Farbe und Form zu verwenden, um das Publikum dazu zu bringen, bestimmte Dinge zu fühlen und zu sehen. Es geht darum, Linien zu verwenden, um Figuren und Bewegungen zu definieren, Formen, um verschiedene Dinge darzustellen und Emotionen und Bewegung zu erzeugen, Raum, um Tiefe und Größe zu zeigen, Töne, um Kontraste zu erzeugen und bestimmte Elemente hervorzuheben, und Farben, um Stimmungen und Tageszeiten zu erzeugen. Es geht darum, eine visuelle Geschichte zu schaffen, die das Publikum fesselt und einbezieht. Kurz gesagt, es geht darum, Bilder zu verwenden, um eine Geschichte zu erzählen!

Auch hier ist die Bildsprache ein ganz eigenes Thema. Aber ich möchte hier auf ein paar wichtige Dinge hinweisen. 

Das Kompositionsprinzip: die Drittelregel

Die Drittelregel ist eine „Faustregel“ für das Komponieren visueller Bilder und kann beim Zeichnen Ihrer Storyboards angewendet werden. Die Richtlinie besagt, dass das Bild durch zwei gleich beabstandete horizontale Linien und zwei gleich beabstandete horizontale Linien in neun gleiche Teile geteilt werden sollte vertikale Linien, und dass Ihr Bild optisch ansprechender ist, wenn Sie Ihr Motiv auf einer dieser Linien platzieren. 

Natürlich kann es auch eine künstlerische Entscheidung sein, Ihr Thema zu zentrieren. Es gibt viele Beispiele in Filmen, bei denen der visuelle Stil eher darauf abzielt, das Hauptthema zu zentrieren. 

Überlegen Sie also, was für einen guten Fluss in der Erzählung benötigt wird und wie die Bildkomposition dazu beitragen kann.

Die 180-Grad-Regel

Was ist also die 180-Grad-Regel und wie funktioniert sie? 

„Die 180-Grad-Regel besagt, dass zwei Charaktere (oder mehr) in einer Szene immer die gleiche Links/Rechts-Beziehung zueinander haben sollten.“

Die Regel besagt, dass Sie eine imaginäre Linie zwischen diesen beiden Zeichen ziehen und versuchen, Ihre Kamera(s) auf derselben Seite dieser 180-Grad-Linie zu halten.

Nehmen wir zum Beispiel an, Sie haben eine Masteraufnahme von zwei sich unterhaltenden Personen. Wenn die Kamera zwischen den Charakteren wechselt und die Kamera auf der gleichen Seite ist, sollte es so aussehen.

Wenn Ihre Kamera diese Linie überschreitet, wird das Verständnis Ihres Publikums darüber, wo sich die Charaktere befinden, und ihre Links-/Rechtsausrichtung gestört, wie Sie im Bild unten sehen können. 

Wie man die Kamerabewegungen und -winkel zeichnet

Schwenken / Neigen bezieht sich auf die horizontale oder vertikale Bewegung einer Kamera. Es ermöglicht Ihnen, ein Motiv zu verfolgen oder Bewegungen innerhalb des Rahmens zu verfolgen. Um einen Schwenk zu planen, können Sie ein Storyboard mit Rahmen erstellen, um die Start- und Endposition der Kamera anzuzeigen, und Pfeile verwenden, um ihre Bewegungsrichtung anzugeben.

Eine Kamerafahrt ist eine Technik zum Verfolgen von Motiven, bei der die gesamte Kamera von einem Ort zum anderen bewegt wird. Es wird oft verwendet, um einem sich bewegenden Motiv zu folgen, und kann mit Schienen, einem Dolly oder einem Handheld durchgeführt werden.

Zoomen stellt das Kameraobjektiv ein, um das Motiv näher oder weiter weg zu bringen. Es ist keine Bewegung der Kamera selbst. Beim Einzoomen wird das Motiv näher umrahmt, während beim Auszoomen mehr von der Szene erfasst wird.

So machen Sie das Beste aus Ihren Storyboard-Notizen für die (Post-)Produktion

Wenn Sie fotografieren, ist es immer eine gute Idee, alle Notizen oder Kommentare aufzuschreiben, die Sie haben. Auf diese Weise können Sie im Voraus planen, welche Hintergründe oder Requisiten Sie während des Drehs benötigen. Es ist auch eine großartige Möglichkeit, die Bearbeitung im Voraus zu planen. Zum Beispiel, wann Referenzfotos für die Entfernung nach der Produktion erstellt werden sollen. 

Während der Dreharbeiten können Sie aufschreiben Kameraeinstellungen, Beleuchtungseinstellungen und Kamerawinkel, um die Aufnahme für den nächsten Tag einfach fortzusetzen. 

Schließlich können die Storyboards auch verwendet werden, um aufzuschreiben, wie lang eine bestimmte Szene oder Sequenz ist. Dies ist besonders praktisch, wenn Sie Soundeffekte, Musik oder Voice-Overs verwenden. 

Nach Abschluss des Storyboards

Sobald Ihre Storyboards fertig sind, können Sie eine Animation erstellen. Dies ist eine vorläufige Version der Szene, die die einzelnen Frames des Storyboards verwendet. Die Animation hilft Ihnen, die Bewegung und das Timing jeder Aufnahme zu bestimmen. Auf diese Weise können Sie sich wirklich ein Bild davon machen, ob die Sequenz so wird, wie Sie es beabsichtigt haben.

Differenzen

Storyboard in Stop-Motion vs. Animation

Stop-Motion und Animation sind zwei sehr unterschiedliche Arten des Geschichtenerzählens. Stop-Motion ist eine Technik, bei der Objekte physisch manipuliert und Bild für Bild fotografiert werden, um die Illusion von Bewegung zu erzeugen. Animation hingegen ist ein digitaler Prozess, bei dem einzelne Zeichnungen, Modelle oder Objekte Bild für Bild fotografiert werden, um die Illusion von Bewegung zu erzeugen.

Wenn es um Storyboarding geht, erfordert Stop-Motion viel mehr Planung und Vorbereitung als Animation. Für Stop-Motion müssen Sie ein physisches Storyboard mit detaillierten Zeichnungen und Notizen darüber erstellen, wie Sie die einzelnen Objekte bewegen möchten. Mit Animation können Sie ein digitales Storyboard mit groben Skizzen und Notizen dazu erstellen, wie Sie jede Figur oder jedes Objekt animieren möchten. Stop-Motion ist viel zeitaufwändiger und arbeitsintensiver, aber es kann einen einzigartigen und schönen Look erzeugen, der mit Animationen nicht reproduziert werden kann. Animation hingegen ist viel schneller und kann verwendet werden, um komplexere Geschichten mit einer größeren Auswahl an Charakteren und Einstellungen zu erstellen.

Storyboard in Stop-Motion vs. Story-Mapping

Stop-Motion-Storyboarding und Story-Mapping sind zwei verschiedene Ansätze, um eine visuelle Darstellung einer Geschichte zu erstellen. Stop-Motion-Storyboarding ist ein Prozess, bei dem eine Reihe von Standbildern erstellt wird, die die Handlung einer Geschichte darstellen. Story Mapping hingegen ist ein Prozess, bei dem eine visuelle Darstellung der narrativen Struktur der Geschichte erstellt wird.

Beim Stop-Motion-Storyboarding besteht das Ziel darin, eine Reihe von Standbildern zu erstellen, die die Handlung der Geschichte genau wiedergeben. Diese Methode erfordert viel Kreativität und Vorstellungskraft, um den gewünschten Effekt zu erzielen. Story Mapping konzentriert sich jedoch mehr auf die narrative Struktur der Geschichte. Es beinhaltet die Erstellung einer visuellen Darstellung der Handlungspunkte der Geschichte und wie sie miteinander verbunden sind. Diese Methode erfordert viel Planung und Organisation, um sicherzustellen, dass die Geschichte logisch abläuft.

Kurz gesagt, beim Stop-Motion-Storyboarding geht es darum, eine lebendige visuelle Darstellung der Handlung der Geschichte zu erstellen, während sich das Story-Mapping mehr auf die narrative Struktur konzentriert. Beide Methoden erfordern viel Kreativität und Planung, aber die Endergebnisse können sehr unterschiedlich sein. Wenn Sie also eine visuelle Darstellung Ihrer Geschichte erstellen möchten, ist es wichtig zu überlegen, welcher Ansatz für Ihr Projekt am besten geeignet ist.

Zusammenfassung

Storyboards sind ein wesentlicher Bestandteil der Stop-Motion-Animation und helfen Ihnen, Ihre Aufnahmen zu planen und sicherzustellen, dass Sie alles haben, was Sie brauchen, um Ihre Geschichte zu erzählen. Es ist auch eine großartige Möglichkeit, alle auf die gleiche Seite zu bringen und sicherzustellen, dass Sie alle auf dasselbe Ziel hinarbeiten. Also, wenn Sie Lust auf Stop-Motion haben oder einfach nur ein bisschen mehr über den Prozess erfahren möchten, scheuen Sie sich nicht, einen Ausflug zum nächsten rotierenden Sushi-Lokal zu machen und all die köstlichen Gerichte zu probieren!

Hallo, ich bin Kim, eine Mutter und eine Stop-Motion-Enthusiastin mit einem Hintergrund in Medienerstellung und Webentwicklung. Ich habe eine große Leidenschaft für Zeichnen und Animation und tauche jetzt kopfüber in die Stop-Motion-Welt ein. Mit meinem Blog teile ich meine Erkenntnisse mit euch.