Comment utiliser le storyboard pour l'animation en stop motion

par Kim Actualisé: 6 mars 2023

Permettez-moi de commencer en disant : vous n'avez pas toujours besoin d'un storyboard. Et le format du storyboard n'est certainement pas toujours gravé dans le marbre. Mais lorsque vous faites de l'animation en stop motion ou tout autre type de production médiatique, c'est toujours une bonne idée d'avoir un plan. Et ce plan crée un storyboard. 

Un storyboard est une représentation visuelle de l'histoire avant l'animation. Les animateurs utilisent des storyboards pour planifier l'ensemble de l'animation. Un storyboard contient des visuels et des notes représentant des images ou des plans d'un film.

Vous voulez faire passer vos compétences en narration au niveau supérieur ? Ou cherchez-vous des moyens d'accélérer le processus de production de vos animations en stop motion ? 

Dans ce guide, je vais vous expliquer ce que c'est, comment en créer un, comment l'utiliser en production.

Qu'est-ce qu'un story-board ?

Le storyboard dans l'animation est comme une feuille de route visuelle pour votre projet d'animation. C'est une série de croquis qui retracent les événements clés du récit, du début à la fin. Considérez-le comme un pont visuel entre votre script ou concept et l'animation terminée. 

C'est comme un plan pour l'ensemble du projet. Ce qu'est un storyboard, c'est une feuille de papier avec des panneaux et des vignettes. Ils représentent une image ou un plan de votre film, et il y a généralement un peu d'espace pour écrire quelques notes comme, types de plan ou angles de caméra. 

Le but d'un storyboard est de transmettre un message ou une histoire d'une manière facile à lire pour vos clients ou d'autres membres d'une équipe de production.

C'est aussi un excellent moyen d'organiser vos idées et de planifier le processus d'animation. Donc, si vous êtes animateur ou que vous débutez, apprendre à créer un storyboard est une partie essentielle du processus de création. Cela vous aidera à rester organisé et à donner vie à vos idées.

Pourquoi le storyboard est-il important ?

Lorsque vous travaillez en équipe, le storyboard est un excellent moyen de communiquer votre vision aux autres. Cela permet de s'assurer que toutes les personnes impliquées dans le processus de production sont sur la même longueur d'onde et que votre animation ressemble exactement à ce que vous avez imaginé. 

Si vous réalisez un projet par vous-même, c'est un excellent moyen de visualiser l'histoire et de définir la portée du projet, avant que tout travail de production ne soit effectué. Cela peut faire gagner du temps à long terme. C'est également un excellent moyen de conserver vos notes pendant la production en un seul endroit. 

Vous pouvez créer une animation des images ou des dessins et voir comment se déroule l'histoire et si des ajustements sont nécessaires. 

Il visualise l'histoire et est un outil utile pour guider le récit pour les téléspectateurs afin qu'ils comprennent pleinement ce qui se passe et pourquoi. Ainsi, quel que soit le type de projet sur lequel vous démarrez, il serait sage de passer du temps à créer un storyboard.

Quel est le processus de création d'un storyboard en animation stop motion ?

Créer un storyboard en animation stop motion est un processus amusant et créatif. Cela commence par trouver un concept et décider du type d'histoire que vous voulez raconter, en supposant que vous n'en aviez pas déjà. 

Une fois que vous avez votre idée, vous devrez déterminer la séquence des événements et les visuels dont vous aurez besoin pour lui donner vie. Vous devrez dessiner une série de croquis illustrant chaque scène, puis déterminer le moment et le rythme de l'animation. 

Enfin, vous devrez planifier les angles de caméra et les mouvements que vous utiliserez pour capturer l'action. C'est beaucoup de travail, mais ça vaut le coup quand tu vois ton histoire prendre vie !

Comment scénariser une animation en stop-motion ?

Pour votre première tentative de création d'un storyboard, il suffira de dessiner un croquis et d'écrire les lignes de voix en dessous de chaque croquis. Vous devrez également réfléchir à d'autres détails importants. Le storyboard parfait devrait avoir les éléments suivants.

• Le format d'image est le rapport entre la largeur et la hauteur des images. Pour la plupart des vidéos en ligne, vous pouvez utiliser 16:9
• La vignette est une boîte rectangulaire qui décrit ce qui se passe à un moment donné de votre histoire.
• Angles de caméra : décrire le type de plan utilisé pour une séquence ou une scène spécifique
• Types de plan : décrit le type de plan utilisé pour une séquence ou une scène spécifique
• Mouvements et angles de la caméra - par exemple, vous pouvez noter quand une caméra s'approche ou s'éloigne des objets dans le cadre.
• Transitions - sont les façons dont une image sera changée en une autre.

Différence entre l'action en direct et l'animation

Donc, avant de commencer, nous devons parler de terminologie. Et nous commencerons par indiquer la différence entre les storyboards d'action en direct et les storyboards d'animation. 

Il existe des différences entre le storyboard en direct et le storyboard d'animation, dont l'une est le nombre de dessins requis pour une scène. Pour l'action en direct, seuls les points de départ et de fin d'une action sont dessinés, et des plans d'autres scènes nécessaires sont ajoutés. D'autre part, dans les storyboards d'animation, les personnages sont créés par animation et des images clés doivent être dessinées, en particulier pour l'animation dessinée à la main. Les images intermédiaires sont ensuite ajoutées au fur et à mesure que l'animation progresse pour rendre l'action plus fluide.

De plus, la façon dont les scènes et les plans sont numérotés varie entre le storyboard en direct et le storyboard d'animation. Dans l'action en direct, vous avez un plan qui fait référence à l'angle de la caméra et la scène fait référence à l'emplacement ou à la durée. Dans l'animation, vous avez une séquence composée de scènes. Ainsi, dans l'animation, vous utilisez le mot scène pour l'angle de caméra ou un type de prise de vue, et une séquence fait référence à la durée.

Le stop motion a la même approche en storyboard que l'animation. Avec les deux, l'accent est mis sur l'élaboration des poses clés de vos personnages dans vos storyboards.

Une chose dans laquelle les deux diffèrent est le fait qu'avec le stop motion, vous avez affaire à des mouvements de caméra réels dans un environnement 3D, par opposition à l'animation 2D où vous ne pouvez montrer les personnages que d'un côté à la fois.

Angles de caméra et prises de vue

Viennent ensuite les différents angles de caméra et types de prise de vue qui sont à votre disposition en tant que storyboarder.

Parce que chaque panneau que vous dessinez décrit essentiellement un angle de caméra ou un type de prise de vue.

Les angles de caméra sont décrits comme étant au niveau des yeux, en plongée ou en contre-plongée.

Et un coup de caméra fait référence à la taille de la vue de la caméra.

Il existe six types de plans courants : les plans d'établissement, les plans larges, les plans longs, le moyen, le gros plan et le gros plan extrême.

Jetons un coup d'œil aux six d'entre eux.

Le coup d'établissement:

Comme son nom l'indique, cela établit la scène. C'est généralement un angle très large où le public peut voir où se déroule la scène. Vous pouvez utiliser ce type de plan au début de votre film

Le coup large

Le plan large n'est pas aussi grand et large que le plan d'établissement, mais toujours considéré comme très large. Ce type de plan donne également au spectateur une impression de l'endroit où se déroule la scène. Vous pouvez utiliser ce plan après avoir fait une série de gros plans, pour revenir à l'histoire.

Le coup long :

Le long plan peut être utilisé pour montrer le personnage complet de la tête aux pieds. Ceci est particulièrement pratique lorsque vous souhaitez capturer le mouvement du personnage et l'espace ou la zone dans laquelle se trouve le personnage. 

Le coup moyen :

Le plan moyen montre le personnage déjà un peu plus près, à partir de la taille. Vous pouvez utiliser ce plan si vous souhaitez transmettre à la fois l'émotion et les mouvements des mains ou du haut du corps. 

Le gros plan

Le gros plan est probablement l'un des plans les plus importants de tout le film, car c'est le seul plan que vous pouvez utiliser qui se concentrera vraiment sur le personnage et les émotions.

L'extrême gros plan

Après le gros plan, vous avez le gros plan extrême, qui se concentre vraiment sur une zone du visage, par exemple les yeux. Il est généralement utilisé pour vraiment augmenter la tension et le drame de n'importe quelle scène.

Création des vignettes

Vous n'avez pas nécessairement besoin d'équipement sophistiqué. Tout ce dont vous avez besoin est un crayon et du papier et vous pouvez commencer à esquisser vos idées. Vous pouvez également utiliser des logiciels comme Adobe Photoshop ou Storyboarder pour créer un storyboard numérique. 

Cependant, cela aide si vous avez au moins des compétences de base en dessin. 

Maintenant, je n'entrerai pas dans les détails car ce n'est pas un cours de dessin. Mais je pense qu'il serait avantageux pour vos storyboards de pouvoir dessiner des expressions faciales, des poses actives et de pouvoir dessiner en perspective. 

Et rappelez-vous, le format du storyboard n'est pas immuable. Donc, si vous n'êtes pas à l'aise avec le dessin, il existe encore d'autres méthodes. Vous pouvez créer un storyboard numérique ou même simplement utiliser les photos des personnages ou des objets. 

Mais ce ne sont que des aspects techniques. Vous pouvez également regarder les concepts plus artistiques comme le langage visuel dans vos dessins. 

Qu'est-ce que le langage visuel dans l'animation de storyboard ?

Le langage visuel dans l'animation de storyboard consiste à transmettre une histoire ou une idée avec des images. Il s'agit d'utiliser la perspective, la couleur et la forme pour guider le public à ressentir et à voir certaines choses. Il s'agit d'utiliser des lignes pour définir les figures et le mouvement, des formes pour représenter différentes choses et créer de l'émotion et du mouvement, de l'espace pour montrer la profondeur et la taille, des tons pour créer un contraste et souligner certains éléments, et des couleurs pour créer des ambiances et des moments de la journée. Il s'agit de créer une histoire visuelle qui captivera et engagera le public. Bref, il s'agit d'utiliser des visuels pour raconter une histoire !

Encore une fois, le langage visuel est un sujet à part entière. Mais je tiens à souligner quelques points importants ici. 

Le principe de composition : la règle des tiers

La règle des tiers est une « règle empirique » pour composer des images visuelles et peut être appliquée au dessin de vos story-boards. La directive stipule que l'image doit être imaginée comme divisée en neuf parties égales par deux lignes horizontales également espacées et deux lignes également espacées. lignes verticales, et que votre image est visuellement plus attrayante lorsque vous placez votre sujet sur l'une de ces lignes. 

Bien sûr cela peut aussi être un choix artistique pour centrer votre sujet. Il existe de nombreux exemples dans les films où le style visuel est davantage axé sur le centrage du sujet principal. 

Réfléchissez donc à ce qui est nécessaire pour un bon déroulement du récit et comment la composition de l'image peut y contribuer.

La règle des 180 degrés

Alors, qu'est-ce que la règle des 180 degrés et comment ça marche ? 

"La règle des 180 degrés stipule que deux personnages (ou plus) dans une scène doivent toujours avoir la même relation gauche/droite entre eux."

La règle dit que vous tracez une ligne imaginaire entre ces deux personnages et essayez de garder votre ou vos caméras du même côté de cette ligne à 180 degrés.

Disons par exemple que vous avez une photo maîtresse de deux personnes qui parlent. Si la caméra bascule entre les personnages et que la caméra est du même côté, cela devrait ressembler à ceci.

Si votre caméra franchit cette ligne, la compréhension de votre public de l'emplacement des personnages et de leur orientation gauche/droite sera perturbée, comme vous pouvez le voir sur l'image ci-dessous. 

Comment dessiner les mouvements et les angles de la caméra

Pan / inclinaison fait référence au mouvement horizontal ou vertical d'une caméra. Il vous permet de suivre un sujet ou de suivre un mouvement dans le cadre. Pour planifier une prise de vue panoramique, vous pouvez créer un storyboard avec des cadres pour montrer les positions de départ et de fin de la caméra, et utiliser des flèches pour indiquer sa direction de mouvement.

Un travelling est une technique pour suivre des sujets qui consiste à déplacer toute la caméra d'un endroit à un autre. Il est souvent utilisé pour suivre un sujet en mouvement et peut être effectué à l'aide de pistes, d'un chariot ou d'un ordinateur de poche.

Zoom règle l'objectif de l'appareil photo pour rapprocher ou éloigner le sujet. Ce n'est pas un mouvement de la caméra elle-même. Un zoom avant cadre le sujet plus près, tandis qu'un zoom arrière capture une plus grande partie de la scène.

Comment tirer le meilleur parti de vos notes de storyboard pour la (post)production

Chaque fois que vous photographiez, c'est toujours une bonne idée d'écrire toutes les notes ou commentaires que vous avez. De cette façon, vous serez en mesure de planifier à l'avance les arrière-plans ou les accessoires dont vous avez besoin pendant le tournage. C'est aussi un excellent moyen de planifier à l'avance le montage. Par exemple, quand faire des photos de référence pour le retrait de la post-production. 

Pendant le tournage, vous pouvez écrire les paramètres de la caméra, les paramètres d'éclairage et les angles de caméra pour reprendre facilement la prise de vue du lendemain. 

Enfin, les storyboards peuvent également être utilisés pour écrire la durée d'une certaine scène ou séquence. Ceci est particulièrement pratique lorsque vous utilisez des effets sonores, de la musique ou des voix off. 

Après avoir terminé le storyboard

Une fois vos storyboards terminés, vous pouvez alors créer un animatique. Il s'agit d'une version préliminaire de la scène, utilisant les images individuelles du storyboard. L'animatique vous aide à déterminer le mouvement et le timing de chaque prise de vue. De cette façon, vous pouvez vraiment avoir une bonne idée si la séquence se déroule comme vous l'aviez prévu.

Différences

Storyboard En Stop Motion Vs Animation

Le stop motion et l'animation sont deux types de narration très différents. Le stop motion est une technique où les objets sont physiquement manipulés et photographiés image par image pour créer l'illusion de mouvement. L'animation, quant à elle, est un processus numérique dans lequel des dessins, des modèles ou des objets individuels sont photographiés image par image pour créer l'illusion du mouvement.

En matière de storyboard, le stop motion nécessite beaucoup plus de planification et de préparation que l'animation. Pour le stop motion, vous devez créer un storyboard physique avec des dessins détaillés et des notes sur la façon dont vous prévoyez de déplacer chaque objet. Avec l'animation, vous pouvez créer un storyboard numérique avec des croquis approximatifs et des notes sur la façon dont vous envisagez d'animer chaque personnage ou objet. Le stop motion prend beaucoup plus de temps et de main-d'œuvre, mais il peut créer un look unique et magnifique qui ne peut pas être reproduit avec une animation. L'animation, en revanche, est beaucoup plus rapide et peut être utilisée pour créer des histoires plus complexes avec un plus large éventail de personnages et de décors.

Storyboard en Stop Motion Vs Story Mapping

Le storyboard en stop motion et le story mapping sont deux approches différentes pour créer une représentation visuelle d'une histoire. Le storyboard en stop motion est un processus de création d'une série d'images fixes qui dépeignent l'action d'une histoire. Le story mapping, quant à lui, est un processus de création d'une représentation visuelle de la structure narrative de l'histoire.

En matière de storyboard en stop motion, l'objectif est de créer une série d'images fixes qui décrivent avec précision l'action de l'histoire. Cette méthode demande beaucoup de créativité et d'imagination pour créer l'effet désiré. La cartographie des histoires, cependant, est davantage axée sur la structure narrative de l'histoire. Cela implique de créer une représentation visuelle des points de l'intrigue de l'histoire et de la manière dont ils sont connectés. Cette méthode nécessite beaucoup de planification et d'organisation pour s'assurer que l'histoire se déroule de manière logique.

En un mot, le storyboard en stop motion consiste à créer une représentation visuelle vivante de l'action de l'histoire, tandis que la cartographie de l'histoire est davantage axée sur la structure narrative. Les deux méthodes nécessitent beaucoup de créativité et de planification, mais les résultats finaux peuvent être très différents. Donc, si vous cherchez à créer une représentation visuelle de votre histoire, il est important de déterminer quelle approche est la mieux adaptée à votre projet.

Conclusion

Les storyboards sont une partie essentielle de l'animation en stop motion, vous aidant à planifier vos prises de vue et à vous assurer que vous avez tout ce dont vous avez besoin pour raconter votre histoire. C'est aussi un excellent moyen de mettre tout le monde sur la même longueur d'onde et de vous assurer que vous travaillez tous vers le même objectif. Donc, si vous cherchez à vous mettre au stop motion ou si vous voulez simplement en savoir un peu plus sur le processus, n'ayez pas peur de vous rendre au restaurant de sushis tournant le plus proche et d'essayer tous les plats délicieux !

Salut, je suis Kim, une maman et une passionnée de stop-motion avec une formation en création de médias et en développement web. J'ai une énorme passion pour le dessin et l'animation, et maintenant je plonge tête première dans le monde du stop-motion. Avec mon blog, je partage mes apprentissages avec vous.