Les 12 principes de l'animation : un guide complet

par Kim Actualisé: Le 28 mars 2023

Avez-vous aussi parfois du mal à créer des animations réalistes et engageantes ?

Si c'est le cas, vous n'êtes pas seul. Animation est une forme d'art unique qui nécessite un équilibre délicat entre créativité artistique et compréhension scientifique.

Heureusement, il existe quelques principes fondamentaux qui peuvent vous guider dans votre cheminement vers des animations plus réalistes et convaincantes.

Entrez les 12 principes de l'animation.

Les 12 principes de l'animation ont été développés par les animateurs Disney Ollie Johnston et Frank Thomas et publiés dans un livre intitulé "L'illusion de la vie". Il s'agit d'un ensemble de directives qui peuvent vous aider à créer une animation plus réaliste et réaliste.

Dans cet article, nous explorerons chacun des 12 principes en détail, afin que vous puissiez faire passer vos compétences en animation au niveau supérieur.

1. Squash et étirement

Squash et stretch est un principe considéré comme l'un des principes les plus fondamentaux et les plus importants de l'animation.

C'est la technique d'exagération de la forme et du volume des personnages ou des objets pour créer une illusion de masse, de poids et de force. Lorsqu'un objet est écrasé, il semble se comprimer, et lorsqu'il est étiré, il semble s'allonger.

Cet effet imite la qualité élastique des objets réels et donne une impression de mouvement et de poids. Cela peut être appliqué à des mouvements simples comme faire rebondir une balle ou à des mouvements plus complexes comme la musculature de la figure humaine. Le degré de exagération peut être comique ou subtil, selon les besoins de l'animation.

2. Anticipation

Anticipation est un principe d'animation qui consiste à préparer le spectateur à une action qui est sur le point de se produire. C'est le moment juste avant que l'action principale n'ait lieu, où le personnage ou l'objet se prépare à sauter, balancer, donner des coups de pied, lancer ou faire toute autre action. L'anticipation contribue à rendre l'action plus crédible et efficace en donnant au spectateur une idée de ce qui va se passer.

L'anticipation et le suivi (plus loin dans cette liste) sont deux principes qui impliquent le début et la fin des mouvements. L'anticipation est utilisée pour préparer le public à un mouvement à venir, tandis que le suivi est utilisé pour créer un sentiment de continuation après la fin du mouvement. Ces principes sont essentiels pour créer des mouvements convaincants et dramatiques.

3. Mise en scène

Staging est un autre principe essentiel à la réussite d'une animation. Ce principe concerne le placement des objets et des personnages dans le cadre. En gardant l'accent sur l'essence de la scène et en évitant les distractions inutiles, les animateurs sont capables de créer une présentation claire et sans équivoque. Ceci peut être réalisé en prêtant attention à la position de la caméra, à la lumière et à la position des objets dans le cadre.

4. Pose et droit devant

Poser pour poser et tout droit sont deux approches différentes de l'animation. Pose to pose consiste à créer des poses clés et à combler les intervalles entre elles, tandis que tout droit consiste à créer des mouvements du début à la fin. Lorsqu'un animateur utilise la méthode Straight Ahead Action, il commence au début de l'animation et dessine chaque image en séquence jusqu'à la fin.

Quelle méthode devriez-vous utiliser ?

Eh bien, je peux être très bref à ce sujet… Dans l'animation en stop motion, il n'y a que de l'animation tout droit. Comme il est presque impossible de faire poser pour poser avec de vrais objets.

Cependant, je peux dire ceci à propos de l'animation dans la méthode pose à pose. En stop motion, vous devez tout planifier avec soin. Si vous faites un cycle de marche, vous pouvez déterminer à l'avance où se trouveront les points de contact. Comme disons que vous le feriez lorsque vous animez les images clés dans pose à pose. Donc, dans ce sens, la méthode est en quelque sorte similaire, mais lorsque l'animation réelle est terminée, c'est toujours tout droit.

5. Action de suivi et de chevauchement

Suivre à travers et Overlapping Action est un principe d'animation utilisé pour créer des mouvements plus naturels et plus crédibles dans les personnages et les objets.

L'idée derrière ce principe est que lorsqu'un objet ou un personnage bouge, tout ne bouge pas en même temps ou à la même vitesse. Différentes parties de l'objet ou du personnage se déplaceront à des vitesses légèrement différentes et dans des directions différentes, ce qui crée un mouvement plus réaliste et fluide.

Par exemple, imaginez une personne qui court. Lorsqu'ils avancent, leurs cheveux peuvent flotter vers l'arrière, leurs bras peuvent se balancer d'avant en arrière et leurs vêtements peuvent onduler dans le vent. Tous ces mouvements se produisent à des rythmes différents et dans des directions différentes, mais ils font tous partie du même mouvement global.

Pour créer cet effet dans l'animation, les animateurs utilisent le « suivi » et le « chevauchement de l'action ». Le suivi se produit lorsque des parties d'un objet ou d'un personnage continuent de se déplacer même après l'arrêt du mouvement principal. Par exemple, lorsqu'un personnage arrête de courir, ses cheveux peuvent continuer à reculer pendant un moment. Le chevauchement d'action se produit lorsque différentes parties d'un objet ou d'un personnage se déplacent à des vitesses différentes, créant un mouvement plus fluide et naturel.

6. Ralentissez et ralentissez

Le "ralentir et ralentir” est un principe d'animation basique mais important qui consiste à ajouter plus d'images au début et à la fin d'un mouvement pour créer un aspect plus naturel et fluide.

L'idée de base derrière ce principe est que les objets ne se déplacent généralement pas à une vitesse constante dans la vie réelle. Au lieu de cela, ils ont tendance à accélérer et à décélérer lorsqu'ils commencent et s'arrêtent de bouger. En ajoutant plus d'images au début et à la fin d'un mouvement, les animateurs peuvent créer une accélération et une décélération plus progressives, ce qui rend l'animation plus naturelle et plus crédible.

Par exemple, si vous souhaitez créer une animation en stop motion d'une balle roulant sur le sol, vous pouvez prendre plusieurs photos de la balle à différentes positions lorsqu'elle commence à rouler, puis augmenter progressivement le nombre de photos que vous prenez à mesure qu'elle prend de l'élan. , puis diminuez à nouveau le nombre de photos lorsqu'il s'arrête.

7. Arc

La arc principe est essentiel dans l'animation car il reflète les lois de la physique et les effets naturels de la gravité. Lorsqu'un objet ou une personne se déplace, il suit une trajectoire naturelle qui n'est pas droite mais courbe. En ajoutant des arcs aux animations, les animateurs peuvent rendre l'animation plus naturelle et réaliste.

Un exemple d'utilisation des arcs dans l'animation est lorsqu'une personne marche. Lorsque la personne bouge ses bras et ses jambes, elle suit différents arcs. En prêtant attention aux arcs, les animateurs peuvent créer des animations plus gracieuses et naturelles. Un autre exemple est que lorsqu'une balle est lancée, elle suit un arc dans l'air en raison de la force qui lui est appliquée. En ajoutant des arcs secondaires à l'animation, les animateurs peuvent rendre le mouvement plus fluide et naturel.

8.Action secondaire

Action secondaire fait référence à l'idée que les objets en mouvement créeront des mouvements secondaires dans d'autres parties du corps. Ils sont utilisés pour soutenir ou souligner l'action principale qui se déroule dans une scène. L'ajout d'actions secondaires peut ajouter plus de profondeur à vos personnages et objets.

Par exemple, le mouvement subtil des cheveux de votre personnage lorsqu'il marche, ou une expression faciale, ou un objet secondaire réagissant au premier. Quoi qu'il en soit, cette action secondaire ne doit pas nuire à la première.

9. Calendrier et espacement

Je pense que pour le stop motion, c'est le plus important. Cela donne vraiment un sens à un mouvement.

Pour appliquer ce principe d'animation, nous devons considérer les lois de la physique et comment elles s'appliquent au monde naturel.

Temps de livraison implique la durée pendant laquelle un objet est à l'écran, tandis que espacement implique le placement et le déplacement de l'objet.

Selon le type de mouvement ou d'objet que vous souhaitez transmettre, vous devez prendre en compte la bonne quantité d'assouplissement. Si vous déplacez un objet trop rapidement ou trop lentement par rapport à son mouvement naturel dans le monde réel, l'animation ne sera pas crédible.

Pour appliquer ce principe dans l'animation en stop motion, considérez d'abord la fréquence d'images à laquelle vous filmez. Si vous photographiez sur un ou deux, vous tirerez très probablement à 12 ou 24 images respectivement.

Ensuite, chronométrez votre séquence d'animation à l'avance. Par exemple, si vous avez une balle qui roule et que la durée du tir est de 3.5 secondes, multipliez le temps de tir par votre fréquence d'images, par exemple 12 images.

Alors maintenant, vous savez que pour ce cliché, vous aurez besoin d'environ 42 photos (3.5 x 12).

Si vous souhaitez mesurer la distance à laquelle l'objet doit se déplacer dans la prise de vue. Disons que c'est 30 cm et divisons la distance par le nombre d'images. Donc dans notre exemple, 30 / 42 = 0.7 mm par image.

Bien sûr, vous devez prendre en compte le bon degré d'assouplissement. Ce ne sera donc pas exactement 0.7 mm pour chaque image.

10.Exagération

Ce principe est utilisé pour créer un effet dramatique et percutant dans les animations. Les animateurs utilisent l'exagération pour rendre les mouvements et les expressions plus grands que nature, ce qui donne un effet plus dynamique.

Bien que les animations doivent sembler naturelles, elles doivent être un peu exagérées pour être efficaces. Cela signifie que les mouvements doivent être légèrement plus grands qu'ils ne le seraient dans la vie réelle, créant un effet plus dynamique.

L'exagération est un principe qui peut être utilisé à bon escient dans l'animation. En exagérant certains aspects de l'animation, les animateurs sont capables de créer une expérience plus dynamique et engageante pour le public.

11. Dessin solide

Le dessin solide est un autre principe clé que les animateurs doivent prendre en compte. Ce principe concerne la manière dont les objets et les personnages sont dessinés en trois dimensions. En prêtant attention aux aspects physiques de l'animation, les animateurs sont capables de créer une animation plus réaliste et engageante.

12. Appel

Appel est un autre principe qui peut être utilisé à bon escient dans l'animation. Ce principe concerne la manière dont les personnages et les objets sont dessinés pour attirer le public. En prêtant attention à la façon dont les personnages sont dessinés ou créés, les animateurs sont capables de créer une animation plus engageante et dynamique.

Alan Becker

Parlons d'Alan Becker, l'animateur américain et personnalité de YouTube connu pour avoir créé la série Animator vs. Animation. Je pense qu'il a l'explication la meilleure et la plus complète sur les 12 principes de l'animation, alors jetez un coup d'œil à celle-ci !

Comment pratiquez-vous les 12 principes de l'animation ?

Maintenant, pour mettre en pratique ces principes, vous devez commencer par les apprendre. Il existe des tonnes de ressources qui peuvent vous apprendre les tenants et les aboutissants de chaque principe, mais le plus important est de comprendre comment ils fonctionnent ensemble. Chaque principe joue un rôle dans la fluidité de votre animation.

L'une des meilleures manières de s'entraîner est la fameuse : balle rebondissante. Il a presque tout. Courez et étirez-vous lorsque la balle touche presque le sol. Il a "ralentir et ralentir", lorsque la balle démarre. Il se déplace en arc de cercle et vous pouvez expérimenter toutes sortes de moments différents.

Une fois que vous avez une bonne compréhension des principes, il est temps de commencer à les appliquer à votre propre travail. C'est là que commence le vrai plaisir! Commencez à expérimenter différentes techniques et voyez comment vous pouvez utiliser les principes pour améliorer votre animation. Essayez peut-être d'ajouter de la courge et de l'étirement à vos personnages, ou jouez avec le timing et l'espacement pour créer une sensation de poids et d'élan.

Mais voici la chose. Vous ne pouvez pas vous fier uniquement aux principes. Il faut aussi avoir de la créativité et de l'imagination ! Utilisez les principes comme base, mais n'ayez pas peur d'enfreindre les règles et d'essayer quelque chose de nouveau. C'est ainsi que vous ferez vraiment ressortir votre animation.

Pratiquez les 12 principes de l'animation en les apprenant, en les appliquant, puis en les cassant. C'est comme cuisiner un délicieux repas, mais avec vos personnages et vos cadres au lieu d'ingrédients et d'épices.

Conclusion

Alors voilà, les 12 principes d'animation qui ont été utilisés par Disney et de nombreux autres studios pour créer certains des personnages et des scènes les plus mémorables de l'histoire de l'animation.

Maintenant que vous les connaissez, vous pouvez les utiliser pour rendre vos propres animations plus réalistes et crédibles.

Salut, je suis Kim, une maman et une passionnée de stop-motion avec une formation en création de médias et en développement web. J'ai une énorme passion pour le dessin et l'animation, et maintenant je plonge tête première dans le monde du stop-motion. Avec mon blog, je partage mes apprentissages avec vous.