Come utilizzare lo storyboard per l'animazione in stop motion

di Kim aggiornato: 6 Marzo 2023

Lasciami iniziare dicendo: non hai sempre bisogno di a storyboard. E il formato dello storyboard non è certo sempre scolpito nella pietra. Ma quando si esegue un'animazione in stop motion o qualsiasi tipo di produzione multimediale, è sempre una buona idea iniziare con un piano. E quel piano sta creando uno storyboard. 

Uno storyboard è una rappresentazione visiva della storia prima dell'animazione. Gli animatori usano gli storyboard per pianificare l'intera animazione. Uno storyboard contiene elementi visivi e note che rappresentano fotogrammi o inquadrature di un film.

Vuoi portare le tue abilità di narratore al livello successivo? O stai cercando modi per velocizzare il processo di produzione delle tue animazioni in stop motion? 

In questa guida ti spiego cos'è, come crearne uno, come utilizzarlo in produzione.

Cos'è uno storyboard?

Lo storyboard nell'animazione è come una road map visiva per il tuo progetto di animazione. È una serie di schizzi che tracciano gli eventi chiave della narrazione, dall'inizio alla fine. Pensalo come un ponte visivo tra la tua sceneggiatura o il tuo concetto e l'animazione finita. 

È come un progetto per l'intero progetto. Che cos'è fondamentalmente uno storyboard, è un foglio di carta con pannelli e miniature. Rappresentano un fotogramma o un'inquadratura del tuo film e di solito c'è un po' di spazio per annotare alcune note come tipi di inquadratura o angoli di ripresa. 

L'obiettivo di uno storyboard è trasmettere un messaggio o una storia in modo facile da leggere sia per i tuoi clienti che per altri membri di un team di produzione.

È anche un ottimo modo per organizzare le tue idee e pianificare il processo di animazione. Quindi, se sei un animatore o hai appena iniziato, imparare a creare uno storyboard è una parte essenziale del processo creativo. Ti aiuterà a rimanere organizzato e a dare vita alle tue idee.

Perché è importante lo storyboard?

Quando lavori in un team, lo storyboard è un ottimo modo per comunicare la tua visione agli altri. Aiuta a garantire che tutte le persone coinvolte nel processo di produzione siano sulla stessa pagina e che la tua animazione appaia esattamente come l'hai immaginata. 

Se stai realizzando un progetto da solo, è un ottimo modo per visualizzare la storia e delineare il progetto, prima che qualsiasi lavoro di produzione sia terminato. Potrebbe far risparmiare un po' di tempo a lungo termine. È anche un ottimo modo per conservare gli appunti durante la produzione in un unico posto. 

Puoi creare un'animazione delle immagini o dei disegni e vedere come è il flusso della storia e se sono necessarie modifiche. 

Visualizza la storia ed è uno strumento utile per guidare la narrazione per gli spettatori in modo che comprendano appieno cosa sta accadendo e perché. Quindi, indipendentemente dal tipo di progetto che stai iniziando, sarebbe saggio dedicare del tempo alla creazione di uno storyboard.

Qual è il processo di creazione di uno storyboard nell'animazione in stop motion?

Creare uno storyboard in animazione stop motion è un processo divertente e creativo. Inizia con l'ideare un concetto e decidere che tipo di storia vuoi raccontare, supponendo che tu non ne avessi già una. 

Una volta che hai la tua idea, dovrai capire la sequenza degli eventi e di quali elementi visivi avrai bisogno per darle vita. Dovrai disegnare una serie di schizzi che illustrino ogni scena, quindi capire i tempi e il ritmo dell'animazione. 

Infine, dovrai pianificare gli angoli della telecamera e movimenti che userai per catturare l'azione. È un sacco di lavoro, ma ne vale la pena quando vedrai la tua storia prendere vita!

Come creare uno storyboard per un'animazione in stop-motion?

Per il tuo primo tentativo di creare uno storyboard, sarà sufficiente disegnare uno schizzo e annotare le linee di voice over sotto ogni schizzo. Dovrai anche riflettere su altri dettagli importanti. Lo storyboard perfetto dovrebbe avere i seguenti elementi.

• Aspect Ratio è il rapporto tra la larghezza e l'altezza delle immagini. Per la maggior parte dei video online puoi utilizzare il formato 16:9
• La miniatura è una casella rettangolare che raffigura ciò che sta accadendo in un singolo punto della tua storia.
• Angoli di ripresa: descrivono il tipo di ripresa utilizzato per una sequenza o scena specifica
• Tipi di ripresa: descrivono il tipo di ripresa utilizzato per una sequenza o scena specifica
• Movimenti e angolazioni della telecamera: ad esempio, potresti notare quando una telecamera si avvicina o si allontana dagli oggetti nell'inquadratura.
• Transizioni: sono i modi in cui un fotogramma verrà cambiato in quello successivo.

Differenza tra azione dal vivo e animazione

Quindi, prima di iniziare, dobbiamo parlare di terminologia. E inizieremo affermando la differenza tra storyboard di azione dal vivo e storyboard di animazione. 

Esistono differenze tra lo storyboard dal vivo e lo storyboard dell'animazione, una delle quali è il numero di disegni richiesti per una scena. Per l'azione dal vivo, vengono disegnati solo i punti di inizio e fine di un'azione e vengono aggiunte riprese di altre scene necessarie. D'altra parte, negli storyboard di animazione, i personaggi vengono creati attraverso l'animazione e i fotogrammi chiave devono essere disegnati, specialmente per l'animazione disegnata a mano. I fotogrammi intermedi vengono quindi aggiunti man mano che l'animazione procede per rendere l'azione più fluida.

Inoltre, il modo in cui le scene e le inquadrature sono numerate varia tra storyboard dal vivo e storyboard di animazione. Dove nell'azione dal vivo hai un'inquadratura che si riferisce all'angolazione della telecamera e la scena si riferisce alla posizione o alla durata del tempo. Nell'animazione hai una sequenza composta da scene. Quindi nell'animazione usi la parola scena per l'angolazione della telecamera o un tipo di ripresa, e una sequenza si riferisce alla durata del tempo.

Lo stop motion ha lo stesso approccio nello storyboard dell'animazione. Con entrambi ci si concentra sull'elaborazione delle pose chiave dei tuoi personaggi nei tuoi storyboard.

Una cosa in cui i due differiscono è il fatto che con lo stop motion hai a che fare con movimenti reali della telecamera in un ambiente 3D, al contrario dell'animazione 2D in cui puoi mostrare i personaggi solo da un lato alla volta

Angoli di ripresa e inquadrature

Successivamente ci sono le diverse angolazioni della telecamera e i tipi di ripresa che sono disponibili per te come storyboarder.

Perché ogni pannello che disegni descrive essenzialmente un'angolazione della telecamera o un tipo di ripresa.

Gli angoli della telecamera sono descritti come all'altezza degli occhi, dall'alto o dal basso.

E uno scatto della telecamera si riferisce alla dimensione della vista della telecamera.

Ci sono sei tipi di inquadratura comuni: le inquadrature di base, le inquadrature ampie, le inquadrature lunghe, le medie, le riprese ravvicinate e le riprese ravvicinate estreme.

Diamo un'occhiata a tutti e sei.

Il colpo decisivo:

Come dice il nome, questo stabilisce la scena. Di solito è un angolo molto ampio in cui il pubblico può vedere dove si svolge la scena. Puoi utilizzare questo tipo di ripresa all'inizio del filmato

Il campo lungo

L'inquadratura ampia non è grande e ampia come l'inquadratura di base, ma è comunque considerata molto ampia. Questo tipo di ripresa dà allo spettatore anche un'idea del luogo in cui si svolge la scena. Puoi usare questa ripresa dopo aver avuto una serie di primi piani, per tornare alla storia.

Il colpo lungo:

Il campo lungo può essere utilizzato per mostrare l'intero personaggio dalla testa ai piedi. Questo è particolarmente utile quando vuoi catturare il movimento del personaggio e lo spazio o l'area in cui si trova il personaggio. 

Il tiro medio:

La ripresa media mostra il personaggio già un po' più da vicino, dalla vita in su. Puoi usare questo scatto se vuoi trasmettere sia l'emozione che i movimenti delle mani o della parte superiore del corpo. 

Il primo piano

Il primo piano è probabilmente una delle inquadrature più importanti di tutto il film perché è l'unica inquadratura che puoi usare che si concentrerà davvero sul personaggio e sulle emozioni.

Il primo piano estremo

Dopo il primo piano, c'è il primo piano estremo, che si concentra davvero su un'area del viso, ad esempio gli occhi. Di solito è usato per aumentare davvero la tensione e il dramma di qualsiasi scena.

Creazione delle miniature

Non hai necessariamente bisogno di attrezzature fantasiose. Tutto ciò di cui hai bisogno è carta e matita e puoi iniziare a disegnare le tue idee. Puoi anche utilizzare software come Adobe Photoshop o Storyboarder per creare uno storyboard digitale. 

Tuttavia aiuta se hai alcune abilità di disegno, almeno di base. 

Ora non entrerò nei dettagli in quanto questo non è un corso di disegno. Ma penso che sarebbe vantaggioso per i tuoi storyboard se riesci a disegnare espressioni facciali, pose attive ed essere in grado di disegnare in prospettiva. 

E ricorda, il formato dello storyboard non è scolpito nella pietra. Quindi, se non ti senti a tuo agio nel disegnare, ci sono ancora altri metodi là fuori. Potresti creare uno storyboard digitale o anche solo usare le foto delle figure o degli oggetti. 

Ma questi sono solo gli aspetti tecnici. Puoi anche guardare i concetti più artistici come il linguaggio visivo nei tuoi disegni. 

Qual è il linguaggio visivo nell'animazione dello storyboard?

Il linguaggio visivo nell'animazione dello storyboard consiste nel trasmettere una storia o un'idea con le immagini. Si tratta di usare la prospettiva, il colore e la forma per guidare il pubblico a sentire e vedere certe cose. Si tratta di utilizzare le linee per definire figure e movimento, le forme per rappresentare cose diverse e creare emozione e movimento, lo spazio per mostrare profondità e dimensioni, il tono per creare contrasto ed enfatizzare determinati elementi e il colore per creare stati d'animo e momenti della giornata. Si tratta di creare una storia visiva che affascinerà e coinvolgerà il pubblico. In breve, si tratta di usare immagini per raccontare una storia!

Ancora una volta, il linguaggio visivo è un intero argomento a sé stante. Ma voglio sottolineare un paio di cose importanti qui. 

Il principio di composizione: la regola dei terzi

La regola dei terzi è una "regola empirica" ​​per la composizione di immagini visive e può essere applicata per disegnare i tuoi storyboard. La linea guida afferma che l'immagine dovrebbe essere immaginata come divisa in nove parti uguali da due linee orizzontali equidistanti e due linee orizzontali equidistanti linee verticali e che la tua immagine sia visivamente più accattivante quando posizioni il soggetto su una di queste linee. 

Ovviamente può anche essere una scelta artistica per centrare il soggetto. Ci sono molti esempi nei film in cui lo stile visivo è più orientato a centrare il soggetto principale. 

Quindi pensa a cosa è necessario per un buon flusso nella narrazione e come può contribuire la composizione dell'immagine.

La regola dei 180 gradi

Allora, qual è la regola dei 180 gradi e come funziona? 

"La regola dei 180 gradi afferma che due personaggi (o più) in una scena dovrebbero sempre avere la stessa relazione sinistra/destra l'uno con l'altro."

La regola dice che devi tracciare una linea immaginaria tra questi due personaggi e provare a mantenere la tua fotocamera (o le tue fotocamere) sullo stesso lato di questa linea di 180 gradi.

Diciamo, ad esempio, che hai una ripresa magistrale di due persone che parlano. Se la telecamera passa da un personaggio all'altro e la telecamera si trova sullo stesso lato, dovrebbe apparire così.

Se la tua videocamera oltrepassa questa linea, la comprensione da parte del tuo pubblico di dove si trovano i personaggi e il loro orientamento a sinistra/destra verrà esclusa, come puoi vedere nell'immagine qui sotto. 

Come disegnare i movimenti e gli angoli della telecamera

Pan / tilt si riferisce al movimento orizzontale o verticale di una telecamera. Ti consente di tracciare un soggetto o seguire il movimento all'interno dell'inquadratura. Per pianificare una ripresa panoramica, puoi creare uno storyboard con fotogrammi per mostrare le posizioni iniziale e finale della telecamera e utilizzare le frecce per indicare la direzione del movimento.

Una carrellata è una tecnica per seguire i soggetti che comporta lo spostamento dell'intera fotocamera da un luogo all'altro. Viene spesso utilizzato per seguire un soggetto in movimento e può essere eseguito utilizzando binari, un carrello o un palmare.

Zoom sta regolando l'obiettivo della fotocamera per avvicinare o allontanare il soggetto. Non è un movimento della telecamera stessa. Lo zoom avanti inquadra il soggetto più da vicino, mentre lo zoom indietro cattura più parti della scena.

Come sfruttare al meglio le note dello storyboard per la (post) produzione

Ogni volta che stai girando è sempre una buona idea annotare eventuali note o commenti che hai. In questo modo sarai in grado di pianificare in anticipo quali sfondi o oggetti di scena ti occorrono durante le riprese. È anche un ottimo modo per pianificare in anticipo il montaggio. Ad esempio quando fare foto di riferimento per la rimozione post produzione. 

Durante le riprese puoi scrivere impostazioni della fotocamera, impostazioni di illuminazione e angoli di ripresa per riprendere facilmente le riprese per il giorno successivo. 

Infine, gli storyboard possono essere utilizzati anche per annotare quanto è lunga una determinata scena o sequenza. Ciò è particolarmente utile quando si utilizzano effetti sonori, musica o voci fuori campo. 

Dopo aver terminato lo storyboard

Una volta che i tuoi storyboard sono finiti, puoi creare un animatic. Questa è una versione preliminare della scena, utilizzando i singoli fotogrammi dello storyboard. L'animatic ti aiuta a determinare il movimento e il tempismo di ogni scatto. In questo modo puoi davvero avere una buona idea se la sequenza si sta rivelando come volevi.

Differenze

Storyboard In Stop Motion Vs Animazione

Stop motion e animazione sono due tipi di narrazione molto diversi. Lo stop motion è una tecnica in cui gli oggetti vengono manipolati fisicamente e fotografati fotogramma per fotogramma per creare l'illusione del movimento. L'animazione, d'altra parte, è un processo digitale in cui singoli disegni, modelli o oggetti vengono fotografati fotogramma per fotogramma per creare l'illusione del movimento.

Quando si tratta di storyboard, lo stop motion richiede molta più pianificazione e preparazione rispetto all'animazione. Per lo stop motion, devi creare uno storyboard fisico con disegni dettagliati e note su come intendi spostare ciascun oggetto. Con l'animazione, puoi creare uno storyboard digitale con schizzi approssimativi e note su come intendi animare ogni personaggio o oggetto. Lo stop motion richiede molto più tempo e lavoro, ma può creare un aspetto unico e bellissimo che non può essere replicato con l'animazione. L'animazione, invece, è molto più veloce e può essere utilizzata per creare storie più complesse con una gamma più ampia di personaggi e ambientazioni.

Storyboard in Stop Motion Vs Story Mapping

Stop motion storyboard e story mapping sono due approcci diversi per creare una rappresentazione visiva di una storia. Lo storyboard in stop motion è un processo di creazione di una serie di immagini fisse che descrivono l'azione di una storia. La mappatura della storia, d'altra parte, è un processo di creazione di una rappresentazione visiva della struttura narrativa della storia.

Quando si tratta di stop motion storyboard, l'obiettivo è creare una serie di immagini fisse che rappresentino accuratamente l'azione della storia. Questo metodo richiede molta creatività e immaginazione per creare l'effetto desiderato. La mappatura della storia, tuttavia, è più focalizzata sulla struttura narrativa della storia. Implica la creazione di una rappresentazione visiva dei punti della trama della storia e del modo in cui sono collegati. Questo metodo richiede una grande quantità di pianificazione e organizzazione per garantire che la storia scorra in modo logico.

In poche parole, lo storyboard in stop motion consiste nel creare una vivida rappresentazione visiva dell'azione della storia, mentre lo story mapping è più focalizzato sulla struttura narrativa. Entrambi i metodi richiedono molta creatività e pianificazione, ma i risultati finali possono essere molto diversi. Quindi, se stai cercando di creare una rappresentazione visiva della tua storia, è importante considerare quale approccio è più adatto al tuo progetto.

Conclusione

Gli storyboard sono una parte essenziale dell'animazione in stop motion, ti aiutano a pianificare i tuoi scatti e ad assicurarti di avere tutto il necessario per raccontare la tua storia. È anche un ottimo modo per mettere tutti sulla stessa pagina e assicurarti di lavorare tutti per lo stesso obiettivo. Quindi, se stai cercando di entrare in stop motion o semplicemente vuoi saperne di più sul processo, non aver paura di fare un viaggio al più vicino sushi bar girevole e provare tutti i deliziosi piatti!

Ciao, sono Kim, una mamma e un'appassionata di stop-motion con un background nella creazione di media e nello sviluppo web. Ho una grande passione per il disegno e l'animazione, e ora mi sto tuffando a capofitto nel mondo dello stop-motion. Con il mio blog, sto condividendo le mie conoscenze con voi ragazzi.