Jak używać storyboardów do animacji poklatkowej

przez kim Aktualizacja: 6 marca 2023 r.

Zacznę od stwierdzenia: nie zawsze potrzebujesz storyboard. A format storyboardu z pewnością nie zawsze jest osadzony w kamieniu. Ale kiedy robisz animację poklatkową lub jakąkolwiek produkcję medialną, zawsze dobrze jest mieć plan. A tym planem jest stworzenie storyboardu. 

Storyboard to wizualna reprezentacja historii przed animacją. Animatorzy używają storyboardów do zaplanowania całej animacji. Storyboard zawiera elementy wizualne i notatki przedstawiające klatki lub ujęcia filmu.

Chcesz przenieść swoje umiejętności opowiadania historii na wyższy poziom? A może szukasz sposobów na przyspieszenie procesu produkcji animacji poklatkowych? 

W tym poradniku wyjaśnię czym jest, jak go stworzyć, jak wykorzystać go w produkcji.

Co to jest storyboard?

Storyboarding w animacji jest jak wizualna mapa drogowa dla twojego projektu animacji. Jest to seria szkiców, które od początku do końca przedstawiają kluczowe wydarzenia narracji. Pomyśl o tym jako o wizualnym pomoście między scenariuszem lub koncepcją a gotową animacją. 

To jest jak plan dla całego projektu. Zasadniczo storyboard to kartka papieru z panelami i miniaturami. Reprezentują klatkę lub ujęcie twojego filmu i zwykle jest trochę miejsca na zapisanie kilku notatek, takich jak rodzaje ujęć lub kąty kamery. 

Celem storyboardu jest przekazanie wiadomości lub historii w łatwy do odczytania sposób dla klientów lub innych członków zespołu produkcyjnego.

To także świetny sposób na uporządkowanie pomysłów i zaplanowanie procesu animacji. Więc jeśli jesteś animatorem lub dopiero zaczynasz, nauczenie się tworzenia storyboardu jest istotną częścią procesu twórczego. Pomoże Ci zachować porządek i ożywi Twoje pomysły.

Dlaczego tworzenie scenariuszy jest ważne?

Podczas pracy w zespole storyboardy to świetny sposób na przekazanie swojej wizji innym. Pomaga upewnić się, że wszyscy zaangażowani w proces produkcji są na tej samej stronie i że animacja wygląda dokładnie tak, jak sobie to wyobrażałeś. 

Jeśli robisz projekt samodzielnie, jest to świetny sposób na wizualizację historii i określenie zakresu projektu, zanim jakiekolwiek prace produkcyjne zostaną zakończone. Na dłuższą metę może to zaoszczędzić trochę czasu. To także świetny sposób na przechowywanie notatek podczas produkcji w jednym miejscu. 

Możesz stworzyć animatik ze zdjęć lub rysunków i zobaczyć, jak przebiega historia i czy potrzebne są jakieś poprawki. 

Wizualizuje historię i jest pomocnym narzędziem do prowadzenia narracji dla widzów, aby w pełni zrozumieli, co się dzieje i dlaczego. Bez względu na to, od jakiego rodzaju projektu zaczynasz, mądrze byłoby poświęcić czas na stworzenie storyboardu.

Jaki jest proces tworzenia storyboardu w animacji poklatkowej?

Tworzenie storyboardu w animacji poklatkowej to zabawny i kreatywny proces. Zaczyna się od wymyślenia koncepcji i podjęcia decyzji, jaką historię chcesz opowiedzieć, zakładając, że jeszcze jej nie masz. 

Kiedy już masz swój pomysł, musisz ustalić sekwencję wydarzeń i jakich elementów wizualnych będziesz potrzebować, aby go urzeczywistnić. Będziesz musiał sporządzić serię szkiców ilustrujących każdą scenę, a następnie ustalić czas i tempo animacji. 

Na koniec trzeba będzie zaplanować kąty kamery i ruchy, których użyjesz do uchwycenia akcji. To dużo pracy, ale warto, gdy zobaczysz, jak Twoja historia ożywa!

Jak zrobić storyboard animację poklatkową?

Do pierwszej próby stworzenia storyboardu wystarczy narysować szkic i zapisać linie głosu pod każdym szkicem. Będziesz także chciał przemyśleć inne ważne szczegóły. Idealny storyboard powinien zawierać następujące elementy.

• Współczynnik proporcji to stosunek między szerokością a wysokością obrazów. W przypadku większości filmów online można użyć formatu 16:9
• Miniatura to prostokątne pole przedstawiające to, co dzieje się w jednym punkcie Twojej relacji.
• Kąty kamery: opisz rodzaj ujęcia użytego do określonej sekwencji lub sceny
• Rodzaje ujęć: opisz rodzaj ujęć użytych w określonej sekwencji lub scenie
• Ruchy i kąty kamery — na przykład możesz zauważyć, kiedy kamera zbliża się do obiektów w kadrze lub oddala się od nich.
• Przejścia – to sposoby, w jakie jedna klatka zostanie zmieniona na następną.

Różnica między akcją na żywo a animacją

Więc zanim zaczniemy, musimy porozmawiać o terminologii. Zaczniemy od określenia różnicy między scenorysami akcji na żywo a scenorysami animacji. 

Istnieją różnice między storyboardami na żywo a storyboardami animacji, z których jedną jest liczba rysunków wymaganych do sceny. W przypadku akcji na żywo rysowane są tylko punkty początkowe i końcowe akcji oraz dodawane są ujęcia innych niezbędnych scen. Z drugiej strony, w storyboardach animacji postacie są tworzone poprzez animację, a klatki kluczowe muszą być rysowane, szczególnie w przypadku animacji rysowanej ręcznie. Klatki pośrednie są następnie dodawane w miarę postępu animacji, aby akcja była płynniejsza.

Co więcej, sposób numerowania scen i ujęć różni się w przypadku storyboardów na żywo i storyboardów animacji. Gdzie w akcji na żywo masz ujęcie, które odnosi się do kąta kamery, a scena odnosi się do lokalizacji lub czasu trwania. W animacji masz jedną sekwencję, która składa się ze scen. Tak więc w animacji słowo scena określa kąt kamery lub typ ujęcia, a sekwencja odnosi się do czasu trwania.

Animacja poklatkowa ma takie samo podejście w storyboardzie jak animacja. W obu przypadkach nacisk kładziony jest na wypracowanie kluczowych pozycji postaci w scenorysach.

Rzeczą, która je różni, jest fakt, że w przypadku animacji poklatkowej mamy do czynienia z rzeczywistymi ruchami kamery w środowisku 3D, w przeciwieństwie do animacji 2D, w której postacie można pokazywać tylko z jednej strony na raz

Kąty kamery i ujęcia

Następne w kolejce są różne kąty kamery i rodzaje ujęć, które są dostępne dla ciebie jako scenopisarza.

Ponieważ każdy rysowany panel zasadniczo opisuje kąt kamery lub typ ujęcia.

Kąty kamery są opisane jako poziom oczu, wysoki kąt lub niski kąt.

A ujęcie z kamery odnosi się do rozmiaru widoku z kamery.

Istnieje sześć typowych typów ujęć: ujęcia wprowadzające, ujęcia szerokie, ujęcia z dystansu, średnie, zbliżenie i ekstremalne zbliżenie.

Rzućmy okiem na całą szóstkę z nich.

Strzał wprowadzający:

Jak sama nazwa mówi, to ustanawia scenę. Zwykle jest to bardzo szeroki kąt, dzięki któremu widzowie mogą zobaczyć, gdzie rozgrywa się scena. Możesz użyć tego typu ujęcia na początku filmu

Szerokie ujęcie

Szeroki strzał nie jest tak duży i szeroki jak strzał początkowy, ale nadal uważany za bardzo szeroki. Ten rodzaj ujęcia daje również widzowi wrażenie miejsca, w którym rozgrywa się scena. Możesz użyć tego ujęcia po wykonaniu serii zbliżeń, aby wrócić do historii.

Daleki strzał:

Długie ujęcie może być użyte do pokazania całej postaci od stóp do głów. Jest to szczególnie przydatne, gdy chcesz uchwycić ruch postaci oraz przestrzeń lub obszar, w którym się ona znajduje. 

Średni strzał:

Średnie ujęcie pokazuje postać już nieco bliżej, od pasa w górę. Możesz użyć tego ujęcia, jeśli chcesz przekazać zarówno emocje, jak i ruchy rąk lub górnej części ciała. 

Zbliżenie

Zbliżenie jest prawdopodobnie jednym z najważniejszych ujęć w całym filmie, ponieważ jest to jedyne ujęcie, które można wykorzystać, aby naprawdę skupić się na postaci i emocjach.

Ekstremalne zbliżenie

Po zbliżeniu masz ekstremalne zbliżenie, które naprawdę skupia się na jednym obszarze twarzy, na przykład na oczach. Zwykle jest używany, aby naprawdę zwiększyć napięcie i dramatyzm każdej sceny.

Tworzenie miniatur

Niekoniecznie potrzebujesz jakiegoś wymyślnego sprzętu. Wszystko czego potrzebujesz to ołówek i papier i możesz zacząć szkicować swoje pomysły. Możesz także użyć oprogramowania takiego jak Adobe Photoshop lub Storyboarder, aby utworzyć cyfrowy scenorys. 

Jednak pomaga, jeśli masz przynajmniej podstawowe umiejętności rysowania. 

Teraz nie będę wchodził w szczegóły, ponieważ to nie jest kurs rysunku. Ale myślę, że byłoby korzystne dla twoich storyboardów, gdybyś mógł rysować mimikę twarzy, aktywne pozy i móc rysować z perspektywy. 

I pamiętaj, że format scenorysu nie jest osadzony w kamieniu. Więc jeśli nie czujesz się komfortowo rysując, istnieją jeszcze inne metody. Możesz stworzyć cyfrowy storyboard lub nawet po prostu użyć zdjęć postaci lub przedmiotów. 

Ale to tylko aspekty techniczne. Możesz także spojrzeć na bardziej artystyczne koncepcje, takie jak język wizualny w swoich rysunkach. 

Jaki jest język wizualny w animacji storyboardowej?

Język wizualny w animacji storyboardowej polega na przekazaniu historii lub pomysłu za pomocą obrazów. Chodzi o wykorzystanie perspektywy, koloru i kształtu, aby pomóc widzom poczuć i zobaczyć pewne rzeczy. Chodzi o używanie linii do definiowania figur i ruchu, kształtów do przedstawiania różnych rzeczy i tworzenia emocji i ruchu, przestrzeni do pokazania głębi i rozmiaru, tonu do tworzenia kontrastu i podkreślania pewnych elementów oraz koloru do tworzenia nastrojów i pór dnia. Chodzi o stworzenie wizualnej historii, która zniewoli i zaangażuje odbiorców. Krótko mówiąc, chodzi o wykorzystanie wizualizacji do opowiedzenia historii!

Ponownie, język wizualny jest odrębnym tematem. Ale chcę tutaj zwrócić uwagę na kilka ważnych rzeczy. 

Zasada kompozycji: zasada trójpodziału

Reguła trójpodziału jest „praktyczną zasadą” komponowania obrazów wizualnych i może być stosowana do rysowania plansz. Wytyczna mówi, że obraz należy wyobrazić sobie jako podzielony na dziewięć równych części za pomocą dwóch równo rozmieszczonych linii poziomych i dwóch równo rozmieszczonych pionowe linie, a zdjęcie będzie bardziej atrakcyjne wizualnie, gdy umieścisz obiekt na jednej z tych linii. 

Oczywiście wyśrodkowanie tematu może być również artystycznym wyborem. W filmach jest wiele przykładów, w których styl wizualny bardziej skupia się na głównym temacie. 

Zastanów się więc, co jest potrzebne do dobrego przepływu narracji i jak może się przyczynić do tego kompozycja obrazu.

Zasada 180 stopni

Czym jest zasada 180 stopni i jak działa? 

„Zasada 180 stopni mówi, że dwie postacie (lub więcej) w scenie powinny zawsze mieć taką samą relację lewa/prawa”.

Zasada mówi, że rysujesz wyimaginowaną linię między tymi dwoma postaciami i starasz się trzymać aparat (kamery) po tej samej stronie tej 180-stopniowej linii.

Załóżmy na przykład, że masz mistrzowskie ujęcie dwóch rozmawiających osób. Jeśli kamera przełącza się między postaciami, a kamera jest po tej samej stronie, powinno to wyglądać tak.

Jeśli Twoja kamera przekroczy tę linię, widzowie nie będą mogli zrozumieć, gdzie znajdują się postacie i ich orientacja lewa/prawa, jak widać na poniższym obrazku. 

Jak narysować ruchy kamery i kąty

Pan / tilt odnosi się do poziomego lub pionowego ruchu kamery. Pozwala śledzić obiekt lub śledzić ruch w kadrze. Aby zaplanować ujęcie z panoramą, możesz utworzyć scenorys z ramkami pokazującymi pozycję początkową i końcową kamery oraz użyć strzałek do wskazania kierunku ruchu.

Strzał śledzący to technika śledzenia obiektów polegająca na przesuwaniu całego aparatu z miejsca na miejsce. Jest często używany do śledzenia poruszającego się obiektu i można to zrobić za pomocą gąsienic, wózka lub urządzenia ręcznego.

Powiększanie reguluje obiektyw aparatu, aby przybliżyć lub oddalić obiekt. To nie jest ruch samej kamery. Powiększanie kadruje obiekt bliżej, podczas gdy pomniejszanie rejestruje większą część sceny.

Jak najlepiej wykorzystać notatki ze scenorysu do (post)produkcji

Za każdym razem, gdy kręcisz, zawsze dobrze jest zapisywać wszelkie uwagi i komentarze. W ten sposób będziesz mógł zaplanować z wyprzedzeniem, jakie tła lub rekwizyty będą potrzebne podczas fotografowania. To także świetny sposób na zaplanowanie edycji z wyprzedzeniem. Na przykład, kiedy robić zdjęcia referencyjne do usunięcia po produkcji. 

Podczas strzelania możesz pisać Ustawienia aparatu, ustawienia oświetlenia i kąty kamery, aby łatwo zabrać się za robienie zdjęć na następny dzień. 

Wreszcie, storyboardy mogą być również używane do zapisywania, jak długo trwa dana scena lub sekwencja. Jest to szczególnie przydatne, gdy używasz efektów dźwiękowych, muzyki lub podkładów głosowych. 

Po ukończeniu storyboardu

Po ukończeniu scenorysów możesz utworzyć animację. Jest to wstępna wersja sceny, wykorzystująca poszczególne klatki storyboardu. Animatic pomaga określić ruch i czas każdego strzału. W ten sposób możesz naprawdę dobrze zorientować się, czy sekwencja wygląda tak, jak zamierzałeś.

Różnice

Storyboard w animacji poklatkowej kontra animacja

Animacja poklatkowa i animacja to dwa bardzo różne rodzaje opowiadania historii. Stop motion to technika, w której obiekty są fizycznie manipulowane i fotografowane klatka po klatce, aby stworzyć iluzję ruchu. Z drugiej strony animacja to proces cyfrowy, w którym poszczególne rysunki, modele lub obiekty są fotografowane klatka po klatce, aby stworzyć iluzję ruchu.

Jeśli chodzi o storyboardy, poklatkowe wymaga znacznie więcej planowania i przygotowań niż animacja. Aby zatrzymać ruch, musisz utworzyć fizyczną scenorys ze szczegółowymi rysunkami i notatkami o tym, jak planujesz przenieść każdy obiekt. Dzięki animacji możesz stworzyć cyfrową scenorys z wstępnymi szkicami i notatkami na temat tego, jak planujesz animować każdą postać lub obiekt. Animacja poklatkowa jest o wiele bardziej czasochłonna i pracochłonna, ale może stworzyć wyjątkowy i piękny wygląd, którego nie da się odtworzyć za pomocą animacji. Z drugiej strony animacja jest znacznie szybsza i może służyć do tworzenia bardziej złożonych historii z szerszym zakresem postaci i ustawień.

Storyboard w trybie poklatkowym vs Story Mapping

Storyboarding poklatkowy i mapowanie historii to dwa różne podejścia do tworzenia wizualnej reprezentacji historii. Tworzenie scenorysów poklatkowych to proces tworzenia serii nieruchomych obrazów przedstawiających akcję opowieści. Z drugiej strony mapowanie historii to proces tworzenia wizualnej reprezentacji struktury narracji opowieści.

Jeśli chodzi o tworzenie scenorysów poklatkowych, celem jest stworzenie serii nieruchomych obrazów, które dokładnie przedstawiają akcję opowieści. Ta metoda wymaga dużej kreatywności i wyobraźni, aby uzyskać pożądany efekt. Mapowanie opowieści jest jednak bardziej skoncentrowane na narracyjnej strukturze opowieści. Polega na stworzeniu wizualnej reprezentacji punktów fabularnych opowieści i sposobu ich połączenia. Ta metoda wymaga dużo planowania i organizacji, aby historia przebiegała logicznie.

Krótko mówiąc, storyboardy poklatkowe polegają na stworzeniu żywej wizualnej reprezentacji akcji opowieści, podczas gdy mapowanie opowieści jest bardziej skoncentrowane na strukturze narracji. Obie metody wymagają dużej kreatywności i planowania, ale wyniki końcowe mogą być zupełnie inne. Jeśli więc chcesz stworzyć wizualną reprezentację swojej historii, ważne jest, aby zastanowić się, które podejście najlepiej pasuje do Twojego projektu.

Wnioski

Storyboardy są istotną częścią animacji poklatkowej, pomagając zaplanować ujęcia i upewnić się, że masz wszystko, czego potrzebujesz, aby opowiedzieć swoją historię. To także świetny sposób, aby wszyscy byli na tej samej stronie i upewnili się, że wszyscy dążycie do tego samego celu. Jeśli więc chcesz zatrzymać ruch lub po prostu chcesz dowiedzieć się więcej o tym procesie, nie bój się wybrać na wycieczkę do najbliższego obrotowego lokalu sushi i spróbować wszystkich pysznych dań!

Cześć, jestem Kim, jestem mamą i entuzjastką animacji poklatkowej z doświadczeniem w tworzeniu mediów i tworzeniu stron internetowych. Mam ogromną pasję do rysowania i animacji, a teraz rzucam się w świat animacji poklatkowej. Na moim blogu dzielę się z wami moją nauką.