Como usar o storyboard para animação em stop motion

por Kim Atualizado: 6 de março de 2023

Deixe-me começar dizendo: você nem sempre precisa de um storyboard. E o formato do storyboard certamente nem sempre é imutável. Mas quando você está fazendo animação em stop motion ou qualquer tipo de produção de mídia, é sempre uma boa ideia ter um plano. E esse plano é criar um storyboard. 

Um storyboard é uma representação visual da história antes da animação. Os animadores usam storyboards para planejar toda a animação. Um storyboard contém recursos visuais e notas que representam quadros ou tomadas de um filme.

Quer levar suas habilidades de contar histórias para o próximo nível? Ou você está procurando maneiras de acelerar o processo de produção de suas animações em stop motion? 

Neste guia vou explicar o que é, como criar um, como usar em produção.

O que é um storyboard?

O storyboard em animação é como um roteiro visual para o seu projeto de animação. É uma série de esboços que mapeiam os principais eventos da narrativa, do início ao fim. Pense nisso como uma ponte visual entre seu roteiro ou conceito e a animação finalizada. 

É como um projeto para todo o projeto. Basicamente, um storyboard é uma folha de papel com painéis e miniaturas. Eles representam um quadro ou uma tomada do seu filme, e geralmente há um pouco de espaço para escrever algumas notas como tipos de tomada ou ângulos de câmera. 

O objetivo de um storyboard é transmitir uma mensagem ou uma história de maneira fácil de ler para seus clientes ou outros membros de uma equipe de produção.

Também é uma ótima maneira de organizar suas ideias e planejar o processo de animação. Portanto, se você é um animador ou está apenas começando, aprender a criar um storyboard é uma parte essencial do processo criativo. Isso ajudará você a se manter organizado e a dar vida às suas ideias.

Por que o storyboard é importante?

Ao trabalhar em equipe, o storyboard é uma ótima maneira de comunicar sua visão aos outros. Isso ajuda a garantir que todos os envolvidos no processo de produção estejam na mesma página e que sua animação seja exatamente como você a imaginou. 

Se você estiver fazendo um projeto sozinho, é uma ótima maneira de visualizar a história e definir o escopo do projeto, antes que qualquer trabalho de produção seja concluído. Pode economizar algum tempo a longo prazo. Também é uma ótima maneira de manter suas anotações durante a produção em um só lugar. 

Você pode criar um animatic das fotos ou desenhos e ver como está o fluxo da história e se algum ajuste é necessário. 

Ele visualiza a história e é uma ferramenta útil para guiar a narrativa para os espectadores, para que eles entendam completamente o que está acontecendo e por quê. Portanto, não importa em que tipo de projeto você esteja iniciando, seria sensato gastar tempo criando um storyboard.

Qual é o processo de criação de um storyboard em animação stop motion?

Criar um storyboard em animação stop motion é um processo divertido e criativo. Começa com a criação de um conceito e a decisão de que tipo de história você quer contar, supondo que você ainda não tenha uma. 

Depois de ter sua ideia, você precisará descobrir a sequência de eventos e quais recursos visuais precisará para dar vida a ela. Você precisará elaborar uma série de esboços que ilustrem cada cena e, em seguida, descobrir o tempo e o ritmo da animação. 

Finalmente, você precisará planejar os ângulos da câmera e movimentos que você usará para capturar a ação. Dá muito trabalho, mas vale a pena quando você vê sua história ganhar vida!

Como você faz o storyboard de uma animação Stop-Motion?

Para sua primeira tentativa de criar um storyboard, será suficiente desenhar um esboço e anotar as falas abaixo de cada esboço. Você também vai querer pensar em outros detalhes importantes. O storyboard perfeito deve ter os seguintes itens.

• Aspect Ratio é a relação entre a largura e a altura das imagens. Para a maioria dos vídeos online, você pode usar 16:9
• A miniatura é uma caixa retangular que mostra o que está acontecendo em um único ponto da sua história.
• Ângulos da câmera: descreva o tipo de tomada usada para uma sequência ou cena específica
• Tipos de plano: descreva o tipo de plano usado para uma sequência ou cena específica
• Movimentos e ângulos da câmera – por exemplo, você pode observar quando uma câmera se aproxima ou se afasta dos objetos no quadro.
• Transições – são as maneiras pelas quais um quadro será alterado para o próximo.

Diferença entre ação ao vivo e animação

Portanto, antes de começar, precisamos falar sobre terminologia. E começaremos declarando a diferença entre storyboards de ação ao vivo e storyboards de animação. 

Existem diferenças entre o storyboard ao vivo e o storyboard de animação, uma delas é o número de desenhos necessários para uma cena. Para live-action, apenas os pontos inicial e final de uma ação são desenhados e tomadas de outras cenas necessárias são adicionadas. Por outro lado, em storyboards de animação, os personagens são criados por meio de animação e os quadros-chave precisam ser desenhados, especialmente para animação desenhada à mão. Os quadros intermediários são adicionados à medida que a animação progride para tornar a ação mais suave.

Além disso, a forma como as cenas e tomadas são numeradas varia entre o storyboard ao vivo e o storyboard de animação. Onde na ação ao vivo você tem uma cena que se refere ao ângulo da câmera e a cena se refere ao local ou à duração do tempo. Na animação, você tem uma sequência composta de cenas. Então, em animação, você usa a palavra cena para o ângulo da câmera ou um tipo de tomada, e uma sequência se refere à duração do tempo.

Stop motion tem a mesma abordagem em storyboards como animação. Com ambos, há um foco em descobrir as principais poses de seus personagens em seus storyboards.

Uma coisa em que os dois diferem é o fato de que com stop motion você está lidando com movimentos reais da câmera em um ambiente 3D, ao contrário da animação 2D, onde você só pode mostrar os personagens de um lado de cada vez.

Ângulos e fotos da câmera

Em seguida, estão os diferentes ângulos de câmera e tipos de tomada que estão disponíveis para você como um storyboarder.

Porque cada painel que você desenha está essencialmente descrevendo um ângulo de câmera ou um tipo de tomada.

Os ângulos da câmera são descritos como sendo nível dos olhos, ângulo alto, ângulo baixo.

E uma tomada de câmera refere-se ao tamanho da visão da câmera.

Existem seis tipos de tomadas comuns: as tomadas de estabelecimento, as tomadas amplas, as tomadas de longe, a média, a de close-up e a de close-up extremo.

Vamos dar uma olhada em todos os seis deles.

O tiro de estabelecimento:

Como o nome diz, isso estabelece a cena. Geralmente é um ângulo muito amplo onde o público pode ver onde a cena está acontecendo. Você pode usar esse tipo de tomada no início do seu filme

o tiro largo

A tacada aberta não é tão grande e larga quanto a tacada inicial, mas ainda é considerada muito larga. Esse tipo de tomada também dá ao espectador uma impressão do local onde a cena ocorre. Você pode usar essa foto depois de fazer uma série de closes, para voltar à história.

O tiro longo:

O plano geral pode ser usado para mostrar o personagem completo da cabeça aos pés. Isso é especialmente útil quando você deseja capturar o movimento do personagem e o espaço ou área em que o personagem está. 

O tiro médio:

O plano médio mostra o personagem já um pouco mais próximo, da cintura para cima. Você pode usar esta foto se quiser transmitir a emoção e os movimentos das mãos ou da parte superior do corpo. 

o close

O close-up é provavelmente uma das tomadas mais importantes em todo o filme, porque é a única tomada que você pode usar para realmente focar no personagem e nas emoções.

O close-up extremo

Após o close-up, você tem o close-up extremo, que realmente foca em uma área do rosto, por exemplo, os olhos. Geralmente é usado para realmente aumentar a tensão e o drama de qualquer cena.

Criando as miniaturas

Você não precisa necessariamente de nenhum equipamento sofisticado. Tudo que você precisa é de um lápis e papel e pode começar a esboçar suas ideias. Você também pode usar um software como Adobe Photoshop ou Storyboarder para criar um storyboard digital. 

No entanto, ajuda se você tiver algumas habilidades básicas de desenho. 

Agora não vou entrar em detalhes porque este não é um curso de desenho. Mas acho que seria benéfico para seus storyboards se você pudesse desenhar expressões faciais, poses ativas e desenhar em perspectiva. 

E lembre-se, o formato do storyboard não é imutável. Portanto, se você não se sente confortável em desenhar, ainda existem outros métodos disponíveis. Você pode criar um storyboard digital ou até mesmo usar as fotos das figuras ou objetos. 

Mas esses são apenas os aspectos técnicos. Você também pode observar os conceitos mais artísticos, como a linguagem visual em seus desenhos. 

Qual é a linguagem visual na animação de storyboard?

A linguagem visual na animação de storyboard tem tudo a ver com transmitir uma história ou ideia com imagens. Trata-se de usar perspectiva, cor e forma para guiar o público a sentir e ver certas coisas. Trata-se de usar linhas para definir figuras e movimentos, formas para representar coisas diferentes e criar emoção e movimento, espaço para mostrar profundidade e tamanho, tom para criar contraste e enfatizar certos elementos e cores para criar humores e momentos do dia. Trata-se de criar uma história visual que irá cativar e envolver o público. Resumindo, trata-se de usar recursos visuais para contar uma história!

Mais uma vez, a linguagem visual é um tópico próprio. Mas eu quero apontar algumas coisas importantes aqui. 

O princípio da composição: a regra dos terços

A regra dos terços é uma “regra de ouro” para compor imagens visuais e pode ser aplicada para desenhar seus storyboards. A diretriz afirma que a imagem deve ser imaginada dividida em nove partes iguais por duas linhas horizontais igualmente espaçadas e duas igualmente espaçadas linhas verticais e que sua imagem é visualmente mais atraente quando você coloca o assunto em uma dessas linhas. 

Claro que também pode ser uma escolha artística centralizar o assunto. Existem muitos exemplos em filmes em que o estilo visual é mais centrado no assunto principal. 

Então pense no que é necessário para um bom fluxo na narrativa e como a composição da imagem pode contribuir.

A regra dos 180 graus

Então, o que é a regra de 180 graus e como ela funciona? 

“A regra dos 180 graus afirma que dois personagens (ou mais) em uma cena devem sempre ter a mesma relação esquerda/direita entre si.”

A regra diz que você deve desenhar uma linha imaginária entre esses dois personagens e tentar manter sua(s) câmera(s) do mesmo lado dessa linha de 180 graus.

Digamos, por exemplo, que você tenha uma tomada principal de duas pessoas conversando. Se a câmera alternar entre os personagens e a câmera estiver do mesmo lado, deve ficar assim.

Se sua câmera cruzar essa linha, a compreensão do público sobre onde os personagens estão e sua orientação esquerda/direita será prejudicada, como você pode ver na imagem abaixo. 

Como desenhar os movimentos e ângulos da câmera

Pan / tilt refere-se ao movimento horizontal ou vertical de uma câmera. Ele permite que você rastreie um assunto ou siga o movimento dentro do quadro. Para planejar uma tomada panorâmica, você pode criar um storyboard com quadros para mostrar as posições inicial e final da câmera e usar as setas para indicar a direção do movimento.

Um tiro de rastreamento é uma técnica para seguir assuntos que envolve mover toda a câmera de um lugar para outro. Geralmente é usado para seguir um assunto em movimento e pode ser feito usando trilhos, um carrinho ou dispositivo portátil.

Zoom está ajustando a lente da câmera para aproximar ou afastar o objeto. Não é um movimento da câmera em si. Aumentar o zoom enquadra o assunto mais perto, enquanto diminuir o zoom captura mais da cena.

Como aproveitar ao máximo suas anotações de storyboard para (pós) produção

Sempre que estiver filmando, é sempre uma boa ideia anotar quaisquer anotações ou comentários que você tenha. Dessa forma, você poderá planejar com antecedência quais planos de fundo ou acessórios você precisa durante a filmagem. Também é uma ótima maneira de planejar com antecedência a edição. Por exemplo, quando fazer fotos de referência para remoção de pós-produção. 

Durante a filmagem, você pode anotar configurações da câmera, configurações de iluminação e ângulos de câmera para captar facilmente as fotos para o dia seguinte. 

Por fim, os storyboards também podem ser usados ​​para anotar a duração de uma determinada cena ou sequência. Isso é especialmente útil quando você usa efeitos sonoros, música ou dublagens. 

Depois de terminar o storyboard

Depois que seus storyboards estiverem concluídos, você poderá criar um animatic. Esta é uma versão preliminar da cena, usando os quadros individuais do storyboard. O animatic ajuda a determinar o movimento e o tempo de cada cena. Dessa forma, você pode realmente ter uma boa ideia se a sequência está saindo como você pretendia.

Diferenças

Storyboard em Stop Motion Vs Animação

Stop motion e animação são dois tipos muito diferentes de narrativa. Stop motion é uma técnica em que os objetos são fisicamente manipulados e fotografados quadro a quadro para criar a ilusão de movimento. A animação, por outro lado, é um processo digital em que desenhos, modelos ou objetos individuais são fotografados quadro a quadro para criar a ilusão de movimento.

Quando se trata de storyboard, stop motion requer muito mais planejamento e preparação do que animação. Para stop motion, você precisa criar um storyboard físico com desenhos detalhados e notas sobre como planeja mover cada objeto. Com a animação, você pode criar um storyboard digital com esboços e anotações sobre como planeja animar cada personagem ou objeto. Stop motion é muito mais demorado e trabalhoso, mas pode criar uma aparência única e bonita que não pode ser replicada com animação. A animação, por outro lado, é muito mais rápida e pode ser usada para criar histórias mais complexas com uma gama maior de personagens e cenários.

Storyboard em stop motion vs mapeamento de história

O storyboard em stop motion e o mapeamento de histórias são duas abordagens diferentes para criar uma representação visual de uma história. O storyboard em stop motion é um processo de criação de uma série de imagens estáticas que retratam a ação de uma história. O mapeamento da história, por outro lado, é um processo de criação de uma representação visual da estrutura narrativa da história.

Quando se trata de storyboard em stop motion, o objetivo é criar uma série de imagens estáticas que representem com precisão a ação da história. Este método requer muita criatividade e imaginação para criar o efeito desejado. O mapeamento da história, no entanto, é mais focado na estrutura narrativa da história. Envolve a criação de uma representação visual dos pontos da trama da história e como eles estão conectados. Esse método requer muito planejamento e organização para garantir que a história flua logicamente.

Em poucas palavras, o storyboard em stop motion trata de criar uma representação visual vívida da ação da história, enquanto o mapeamento da história é mais focado na estrutura narrativa. Ambos os métodos exigem muita criatividade e planejamento, mas os resultados finais podem ser bem diferentes. Portanto, se você deseja criar uma representação visual de sua história, é importante considerar qual abordagem é mais adequada para seu projeto.

Conclusão

Os storyboards são uma parte essencial da animação em stop motion, ajudando você a planejar suas tomadas e garantir que você tenha tudo o que precisa para contar sua história. Também é uma ótima maneira de colocar todos na mesma página e garantir que todos estejam trabalhando para o mesmo objetivo. Então, se você quer entrar em stop motion ou apenas quer aprender um pouco mais sobre o processo, não tenha medo de fazer uma viagem ao restaurante de sushi giratório mais próximo e experimentar todos os pratos deliciosos!

Olá, sou Kim, mãe e entusiasta de stop-motion com experiência em criação de mídia e desenvolvimento web. Tenho uma paixão enorme por desenho e animação, e agora estou mergulhando de cabeça no mundo do stop-motion. Com meu blog, estou compartilhando meus aprendizados com vocês.