Hur man använder storyboarding för stop motion-animering

av kim Uppdaterad: Mars 6, 2023

Låt mig börja med att säga: Du behöver inte alltid en storyboard. Och formatet på storyboardet är verkligen inte alltid hugget i sten. Men när du gör stop motion-animation, eller någon form av mediaproduktion, är det alltid en bra idé att gå in med en plan. Och den planen är att skapa en storyboard. 

En storyboard är en visuell representation av berättelsen innan den animeras. Animatörer använder storyboards för att planera hela animationen. En storyboard innehåller bilder och anteckningar som representerar ramar eller bilder av en film.

Vill du ta dina berättande färdigheter till nästa nivå? Eller letar du efter sätt att påskynda produktionsprocessen av dina stop motion-animationer? 

I den här guiden kommer jag att förklara vad det är, hur man skapar en, hur man använder den i produktionen.

Vad är en storyboard?

Storyboarding i animation är som en visuell färdplan för ditt animationsprojekt. Det är en serie skisser som kartlägger de viktigaste händelserna i berättelsen, från början till slut. Se det som en visuell brygga mellan ditt manus eller koncept och den färdiga animationen. 

Det är som en plan för hela projektet. Vad en storyboard i grunden är, är ett pappersark med paneler och miniatyrer. De representerar en ram eller en bild av din film, och det finns vanligtvis lite utrymme för att skriva ner några anteckningar som, skotttyper eller kameravinklar. 

Målet med en storyboard är att förmedla ett budskap eller en berättelse på ett lättläst sätt för antingen dina kunder eller andra medlemmar i ett produktionsteam.

Det är också ett bra sätt att organisera dina idéer och planera animeringsprocessen. Så om du är en animatör eller precis har börjat är det en viktig del av den kreativa processen att lära dig hur man skapar en storyboard. Det hjälper dig att hålla ordning och förverkliga dina idéer.

Varför är storyboarding viktigt?

När du arbetar i ett team är storyboarding ett bra sätt att kommunicera din vision till andra. Det hjälper till att säkerställa att alla inblandade i produktionsprocessen är på samma sida och att din animation ser ut precis som du tänkt dig. 

Om du gör ett projekt själv är det ett bra sätt att visualisera berättelsen och omfånga projektet innan något produktionsarbete är klart. Det kan spara lite tid i längden. Det är också ett bra sätt att förvara dina anteckningar under produktionen på ett ställe. 

Du kan skapa en animation av bilderna eller teckningarna och se hur berättelseflödet är och om det behövs några justeringar. 

Den visualiserar berättelsen och är ett användbart verktyg för att vägleda berättelsen för tittarna så att de till fullo förstår vad som händer och varför. Så oavsett vilken typ av projekt du börjar på, skulle det vara klokt att lägga tid på att skapa en storyboard.

Vad är processen för att göra en storyboard i Stop Motion-animation?

Att skapa en storyboard i stop motion-animation är en rolig och kreativ process. Det börjar med att komma på ett koncept och bestämma vilken typ av historia du vill berätta, förutsatt att du inte redan hade en. 

När du väl har fått din idé måste du ta reda på händelseförloppet och vilka bilder du behöver för att få den till liv. Du måste rita upp en serie skisser som illustrerar varje scen och sedan ta reda på timingen och takten för animeringen. 

Till sist måste du planera kameravinklarna och rörelser du kommer att använda för att fånga handlingen. Det är mycket jobb, men det är värt det när du ser din berättelse komma till liv!

Hur gör du storyboard för en stop-motion-animation?

För ditt första försök att skapa en storyboard räcker det med att rita en skiss och skriva ner röstlinjerna under varje skiss. Du vill också tänka igenom andra viktiga detaljer. Den perfekta storyboarden bör ha följande föremål.

• Bildförhållande är förhållandet mellan bildernas bredd och höjd. För de flesta onlinevideor kan du använda 16:9
• Miniatyren är en rektangulär ruta som skildrar vad som händer vid en enda punkt i din berättelse.
• Kameravinklar: beskriv vilken typ av bild som används för en specifik sekvens eller scen
• Bildtyper: beskriv vilken typ av bild som används för en specifik sekvens eller scen
• Kamerarörelser och -vinklar – du kan till exempel notera när en kamera närmar sig eller rör sig bort från objekt i bilden.
• Övergångar – är sätten som en bildruta ändras till nästa.

Skillnaden mellan live action och animation

Så innan vi börjar måste vi prata om terminologi. Och vi börjar med att ange skillnaden mellan live action storyboards och animerade storyboards. 

Det finns skillnader mellan live storyboarding och animation storyboarding, varav en är antalet teckningar som krävs för en scen. För live-action ritas endast start- och slutpunkterna för en handling, och bilder av andra nödvändiga scener läggs till. Å andra sidan, i animerade storyboards skapas karaktärerna genom animering, och nyckelbildrutor måste ritas, speciellt för handritade animationer. Mellanramarna läggs sedan till när animeringen fortskrider för att göra handlingen smidigare.

Dessutom varierar hur scener och bilder numreras mellan live storyboarding och animerad storyboarding. Där i live action har du en bild som hänvisar till kameravinkeln och scenen hänvisar till platsen eller tidens varaktighet. I animation har du en sekvens som består av scener. Så i animation använder du ordet scen för kameravinkeln eller en bildtyp, och en sekvens hänvisar till tidens längd.

Stop motion har samma tillvägagångssätt i storyboarding som animation. Med båda är det fokus på att utarbeta nyckelpositionerna för dina karaktärer i dina storyboards.

En sak där de två skiljer sig är det faktum att du med stop motion har att göra med faktiska kamerarörelser i en 3d-miljö, till skillnad från 2d-animation där du bara kan visa karaktärerna från en sida åt gången

Kameravinklar och bilder

Nästa upp är de olika kameravinklarna och bildtyperna som är tillgängliga för dig som storyboardare.

Eftersom varje panel som du ritar i huvudsak beskriver en kameravinkel eller en bildtyp.

Kameravinklar beskrivs som antingen ögonhöjd, hög vinkel, låg vinkel.

Och en kamerabild hänvisar till storleken på kameravyn.

Det finns sex vanliga slagtyper: etablerande skott, breda skott, långa skott, medium, närbild och extrem närbild.

Låt oss ta en titt på dem alla sex.

Det etablerande skottet:

Som namnet säger etablerar detta scenen. Det är vanligtvis en väldigt vidvinkel där publiken kan se var scenen utspelar sig. Du kan använda den här typen av bilder i början av din film

Det breda skottet

Bredskottet är inte lika stort och brett som det etablerande skottet, men anses ändå vara väldigt brett. Denna typ av tagning ger också tittaren ett intryck av platsen där scenen utspelar sig. Du kan använda den här bilden efter att du tagit en serie närbilder för att komma tillbaka till historien.

Långskottet:

Långskottet kan användas för att visa hela karaktären från topp till tå. Detta är särskilt praktiskt när du vill fånga karaktärens rörelse och utrymmet eller området som karaktären befinner sig i. 

Medelskottet:

Medelskottet visar karaktären redan lite närmare, från midjan och upp. Du kan använda den här bilden om du vill förmedla både känslor och rörelser i händerna eller överkroppen. 

Närbilden

Närbilden är förmodligen en av de viktigaste bilderna i hela filmen eftersom det är det ena skottet du kan använda som verkligen fokuserar på karaktären och känslorna.

Den extrema närbilden

Efter närbilden har du den extrema närbilden, som verkligen fokuserar på ett område i ansiktet, till exempel ögonen. Det används vanligtvis för att verkligen öka spänningen och dramatiken i varje scen.

Skapar miniatyrerna

Du behöver inte nödvändigtvis någon snygg utrustning. Allt du behöver är en penna och papper så kan du börja skissa på dina idéer. Du kan också använda programvara som Adobe Photoshop eller Storyboarder för att skapa en digital storyboard. 

Men det hjälper om du har några, åtminstone grundläggande, ritfärdigheter. 

Nu ska jag inte gå in i detalj då detta inte är en ritkurs. Men jag tror att det skulle gynna dina storyboards om du kan rita ansiktsuttryck, aktiva poser och att kunna rita i perspektiv. 

Och kom ihåg, formatet på storyboardet är inte hugget i sten. Så om du inte är bekväm med att rita finns det fortfarande andra metoder där ute. Du kan skapa en digital storyboard eller till och med bara använda bilderna av figurerna eller föremålen. 

Men detta är bara de tekniska aspekterna. Du kan också titta på de mer konstnärliga begreppen som bildspråket i dina teckningar. 

Vad är det visuella språket i storyboardanimering?

Visuellt språk i storyboard-animering handlar om att förmedla en berättelse eller idé med bildspråk. Det handlar om att använda perspektiv, färg och form för att vägleda publiken att känna och se vissa saker. Det handlar om att använda linjer för att definiera figurer och rörelse, former för att representera olika saker och skapa känslor och rörelse, utrymme för att visa djup och storlek, ton för att skapa kontrast och framhäva vissa element, och färg för att skapa stämningar och tider på dygnet. Det handlar om att skapa en visuell berättelse som kommer att fängsla och engagera publiken. Kort sagt, det handlar om att använda visuellt för att berätta en historia!

Återigen, bildspråk är ett helt eget ämne. Men jag vill påpeka ett par viktiga saker här. 

Sammansättningsprincipen: tredjedelsregeln

Tredjedelsregeln är en "tumregel" för att komponera visuella bilder och kan tillämpas på att rita dina storyboards. Riktlinjen säger att bilden ska föreställas som uppdelad i nio lika delar av två lika stora horisontella linjer och två lika fördelade vertikala linjer, och att din bild är visuellt mer tilltalande när du placerar ditt motiv på en av dessa linjer. 

Naturligtvis kan det också vara ett konstnärligt val att centrera ditt motiv. Det finns många exempel i filmer där den visuella stilen är mer mot att centrera huvudmotivet. 

Så fundera på vad som behövs för ett bra flöde i berättandet och hur kompositionen av bilden kan bidra.

180 graders regeln

Så, vad är 180-gradersregeln och hur fungerar den? 

"180-gradersregeln säger att två karaktärer (eller fler) i en scen alltid ska ha samma vänster/högerrelation med varandra."

Regeln säger att du drar en imaginär linje mellan dessa två karaktärer och försöker hålla din(a) kamera(r) på samma sida om denna 180-graderslinje.

Låt oss säga att du till exempel har en master shot av två personer som pratar. Om kameran växlar mellan karaktärerna och kameran är på samma sida ska det se ut så här.

Om din kamera korsar den här gränsen kommer publikens förståelse av var karaktärerna är och deras vänster-/högerorientering att försvinna, som du kan se på bilden nedan. 

Hur man ritar kamerarörelser och vinklar

Panorera/luta hänvisar till en kameras horisontella eller vertikala rörelse. Det låter dig spåra ett motiv eller följa rörelser inom ramen. För att planera en panoreringsbild kan du skapa en storyboard med ramar för att visa kamerans start- och slutpositioner och använda pilarna för att indikera dess rörelseriktning.

Ett spårskott är en teknik för att följa motiv som innebär att hela kameran flyttas från en plats till en annan. Det används ofta för att följa ett rörligt motiv och kan göras med hjälp av spår, en docka eller handhållen.

zoomning justerar kameralinsen för att föra motivet närmare eller längre bort. Det är inte en rörelse av själva kameran. Genom att zooma in ramas motivet närmare, medan utzooming fångar mer av scenen.

Hur du får ut det mesta av dina storyboard-anteckningar för (efter)produktion

När du fotograferar är det alltid en bra idé att skriva ner eventuella anteckningar eller kommentarer du har. På så sätt kommer du att kunna planera i förväg för vilka bakgrunder eller rekvisita du behöver under fotograferingen. Det är också ett bra sätt att planera för redigering. Till exempel när man ska göra referensbilder för borttagning efter produktion. 

Under fotograferingen kan du skriva ner kamerainställningar, ljusinställningar och kameravinklar för att enkelt ta tag i nästa dag. 

Slutligen kan storyboards också användas för att skriva ner hur lång en viss scen eller sekvens är. Detta är särskilt praktiskt när du använder ljudeffekter, musik eller voice overs. 

Efter att ha avslutat storyboardet

När dina storyboards är klara kan du skapa en animation. Detta är en preliminär version av scenen, med de individuella ramarna på storyboardet. Animatiken hjälper dig att bestämma rörelsen och timingen för varje skott. På så sätt kan du verkligen få en bra uppfattning om sekvensen blir som du tänkt dig.

Skillnader

Storyboard i Stop Motion Vs Animation

Stop motion och animation är två väldigt olika typer av berättande. Stop motion är en teknik där föremål fysiskt manipuleras och fotograferas ruta för ruta för att skapa en illusion av rörelse. Animation, å andra sidan, är en digital process där individuella teckningar, modeller eller föremål fotograferas ruta för ruta för att skapa en illusion av rörelse.

När det kommer till storyboarding kräver stop motion mycket mer planering och förberedelser än animering. För stop motion måste du skapa en fysisk storyboard med detaljerade ritningar och anteckningar om hur du planerar att flytta varje objekt. Med animering kan du skapa en digital storyboard med grova skisser och anteckningar om hur du planerar att animera varje karaktär eller objekt. Stop motion är mycket mer tidskrävande och arbetskrävande, men det kan skapa ett unikt och vackert utseende som inte kan replikeras med animation. Animation, å andra sidan, är mycket snabbare och kan användas för att skapa mer komplexa berättelser med ett bredare utbud av karaktärer och inställningar.

Storyboard i Stop Motion vs Story Mapping

Stop motion storyboarding och storymapping är två olika sätt att skapa en visuell representation av en berättelse. Stop motion storyboarding är en process för att skapa en serie stillbilder som skildrar handlingen i en berättelse. Story mapping, å andra sidan, är en process för att skapa en visuell representation av berättelsens narrativa struktur.

När det gäller stop motion storyboarding är målet att skapa en serie stillbilder som korrekt skildrar handlingen i historien. Denna metod kräver en hel del kreativitet och fantasi för att skapa den önskade effekten. Berättelsekartläggning är dock mer fokuserad på berättelsens narrativa struktur. Det handlar om att skapa en visuell representation av berättelsens handlingspunkter och hur de hänger ihop. Denna metod kräver en hel del planering och organisation för att säkerställa att historien flyter logiskt.

I ett nötskal, stop motion storyboarding handlar om att skapa en levande visuell representation av historiens handling, medan storymapping är mer fokuserad på den narrativa strukturen. Båda metoderna kräver en hel del kreativitet och planering, men slutresultatet kan bli ganska olika. Så om du vill skapa en visuell representation av din berättelse är det viktigt att överväga vilket tillvägagångssätt som är bäst lämpat för ditt projekt.

Slutsats

Storyboards är en viktig del av stop motion-animering, som hjälper dig att planera dina bilder och se till att du har allt du behöver för att berätta din historia. Det är också ett bra sätt att få alla på samma sida och se till att ni alla arbetar mot samma mål. Så om du vill komma in i stop motion eller bara vill lära dig lite mer om processen, var inte rädd för att ta en tur till närmaste roterande sushiställe och prova alla läckra rätter!

Hej, jag heter Kim, en mamma och en stop-motion-entusiast med bakgrund inom medieskapande och webbutveckling. Jag har en enorm passion för teckning och animation, och nu dyker jag med huvudet först in i stop-motion-världen. Med min blogg delar jag mina lärdomar med er.